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Godzilla 2: Rei dos Monstros | Este ainda é o mesmo monstro de 65 anos atrás?

março 7, 2024 Por maria

O monstro gigante “Godzilla”, popular em todo o mundo há meio século, foi refeito pela American Legendary Pictures. Naquela época, o filme alcançou grande sucesso comercial com seus majestosos efeitos especiais. “Godzilla 2” está de volta. Será que conseguirá continuar seu sucesso? Baixe o youcine e assista a versão completa. Tomoyuki Tanaka: A tragédia da bomba nuclear do Japão Em “Godzilla 2: Rei dos Monstros“, os humanos sabiam que Godzilla poderia equilibrar o ambiente ecológico da Terra e garantir a ordem da cadeia alimentar. Ao enfrentar o chefe final, a “criatura alienígena” Ghidorah, eles decidiram unir forças com Godzilla. . Em última análise, a estabilidade ecológica foi mantida e a Terra foi salva. Neste filme, Godzilla se tornou o “padroeiro” da terra e da humanidade. Na verdade, a imagem original de Godzilla, que nasceu durante a Guerra Fria, não era assim. Na visão do produtor Tomoyuki Tanaka, “Godzilla” é uma “combinação de gorila e baleia” – esse enorme monstro tem cinquenta metros de altura e pesa 40 mil toneladas. Seu “nirvana” – Respiração Atômica é uma chama radiante azul-avermelhada que pode destruir todos os objetos à sua frente. A respiração atômica do primeiro Godzilla O que é muito sugestivo é que a textura semelhante a um arranhão na jaqueta de couro de Godzilla foi inspirada nas cicatrizes dos sobreviventes do bombardeio nuclear de Hiroshima; Godzilla vive em uma área marítima contaminada pela radiação nuclear. O poder destrutivo das armas nucleares é uma manifestação externa de o enorme poder das armas nucleares e simboliza os danos causados pelas armas nucleares aos japoneses. O medo e a preocupação do povo japonês com o poder destrutivo das armas nucleares, bem como o trauma e o desamparo após ser atacado por armas nucleares, e várias emoções levaram ao nascimento de Godzilla. Portanto, nos primeiros trabalhos da série “Godzilla”, esse monstro destrutivo sempre apareceu como o vilão do “inimigo da humanidade”. Mas os filmes são, em última análise, um produto da superestrutura socioeconómica. O primeiro “Godzilla” alcançou grande sucesso comercial. Depois que seu antigo empregador, Toho, provou os benefícios, começou a tentar incorporar coisas populares e temas quentes da sociedade no filme. Tais decisões também mudaram indiretamente a “persona” de Godzilla na tela. Após a década de 1970, a popularidade das televisões domésticas teve um impacto significativo nas bilheterias de filmes. Além disso, à medida que a energia atômica começou a desempenhar um papel cada vez mais importante no renascimento do Japão no pós-guerra, o medo das pessoas em relação à energia atômica desapareceu gradualmente. , o medo das pessoas em relação à energia nuclear A mentalidade mudou de “resistência” para “exploração”. A mudança de conceito se reflete em Godzilla: Godzilla, que simboliza o poder destrutivo das armas nucleares, passou por mudanças nas obras após a década de 1970 – de “Rei da Destruição” a “Deus Guardião” da Terra. derrotar monstros do mal. Hollywood: ídolos americanos abençoados com efeitos especiais Este famoso monstro IP viajou através do oceano e veio para o Ocidente. O diretor Roland Emmerich, que dirigiu sucessos de bilheteria como “Independence Day”, comandou esta fera gigante. No entanto, como a adaptação do roteiro foi muito difícil, ele e seu irmão A mudança dramática na imagem de Silla resultou no fracasso do filme tanto em termos de reputação quanto de bilheteria. “Godzilla”, que já carregou a memória marcada da nação japonesa após a Segunda Guerra Mundial, foi polido pela indústria cinematográfica de Hollywood e pela tecnologia de efeitos especiais de computador e formou um nítido contraste com as capas de couro surradas do antigo “Godzilla” série de filmes. Ele completou um grande salto em termos de efeitos visuais, mas a conotação espiritual central original de “Godzilla” de “do medo da nova energia à coexistência com a nova energia” foi gradualmente diluída na cultura do entretenimento contemporânea com a transformação de Hollywood, e só havia pipoca espalhada pelo chão. Em 2014, Legendary Pictures e Warner Bros. Pictures uniram forças para abrir um novo capítulo na série de filmes “Godzilla”. Comparado com a versão de 1998, o nível de efeitos especiais deste filme surpreendeu o público. Com a bênção da tecnologia de efeitos especiais de próxima geração, “Godzilla 2” ainda tem um forte impacto na tela e uma impressionante visão de monstro. Godzilla, que surgiu do trauma da guerra japonesa, renasceu através da indústria cinematográfica de Hollywood e, nesse processo, seu significado simbólico foi eliminado pelos valores americanos. Quatro feras gigantes competem para ser o “Rei dos Monstros” em “Godzilla 2” É inegável que a representação dos quatro monstros em “Godzilla 2” é extremamente chocante. Cada um deles tem características próprias, podendo até ser dito que têm personalidades distintas. Algumas pessoas elogiaram o filme em termos extremamente lindos: “Godzilla é majestoso . É como se um deus descesse do céu; Mothra é colorida e extremamente bela. Assim como uma grande borboleta, pode ser chamada de a mais notável obra-prima da natureza. Ghidorah, o personagem monstro rebelde, é legal e dominador, com raios gravitacionais estrondosos; Rodon é majestoso de todas as direções, girando no ar e invencível, como uma roca abrindo suas asas. Alguns são chocantes, alguns são lindos, alguns são maus e alguns são justos.Todos os quatro monstros têm características muito distintas. As cenas de ação são devastadoras, os efeitos visuais estão no auge e a trilha sonora é emocionante. Cada quadro é épico. ”Isso pode falar aos sentimentos de muitos fãs de monstros! Com a ajuda da tecnologia avançada de efeitos especiais de cinema e televisão de hoje, os monstros viajaram entre arranha-céus, exibindo seus poderes mágicos, fazendo com que as montanhas desabassem e a terra caísse na escuridão. Foi extremamente chocante. Comparado com isso, quão pequenos e impotentes são os seres humanos. Essas emoções intuitivas ecoam o primeiro “Godzilla”. Este filme ainda tenta se conectar com o conceito central que a série “Godzilla” sempre enfatizou: “Quando a civilização tecnológica se desenvolve rapidamente e os desejos se expandem, a natureza irá contra-atacar e retaliar contra os humanos”. e bruto., várias falhas nos detalhes … Ler mais

The Mechanic: o durão de ação de Jason Statham, um livro sobre treinamento profissional para um assassino

março 6, 2024 Por maria

O filme “The Mechanic” é uma história complexa que combina matança e redenção, identidade e justiça. No filme, o protagonista Arthur Maury é um assassino que vive uma vida secreta e solitária, mas sua vida começa a mudar após conhecer a filha do alvo, Anna, durante uma missão. Baixe o youcine e assista ao filme completo. Identidade e conceito de justiça de Arthur O protagonista do filme “The Mechanic” é Arthur Maury, um assassino eficiente e calmo que vive uma vida secreta e solitária. No início do filme, Arthur é um assassino aparentemente de sangue frio. Ele executa várias tarefas sem hesitação de acordo com as necessidades de seus clientes. Seja assassinato, sequestro ou outras tarefas perigosas, ele pode concluí-las com facilidade. Ele viveu uma vida solitária, sem família ou amigos, e parecia não ter flutuações emocionais. A vida de Arthur começa a mudar após conhecer Anna, filha do alvo da missão. A bondade e a inocência de Anna tocaram o coração de Arthur, fazendo-o questionar sua identidade e carreira. Arthur começa a refletir sobre sua trajetória de vida e se deve continuar seguindo esse caminho sombrio de assassino. Inspirado por Anna, aos poucos ele entrou em contato com o conceito de justiça e começou a perceber que matar não era a única saída e que poderia haver uma possibilidade de redenção. A identidade de Arthur também se torna parte de sua luta interior Ele vive escondendo sua identidade e, mesmo quando se dá bem com Anna, esconde dela sua verdadeira identidade. Esse esconderijo fez com que ele se sentisse solitário e contraditório em seu coração. Ele ansiava por se livrar de sua identidade de assassino e encontrar um caminho para a justiça e a redenção. No filme, as ações de Arthur entram em conflito com seu conceito de justiça. No decorrer da sua missão, ele deve fazer escolhas morais e éticas sobre se deve continuar a matar ou encontrar outras formas de resolver o problema. Sua hesitação em matar e sua luta interior tornam seu personagem complexo e rico, ao mesmo tempo que fazem o público pensar sobre questões de justiça e moralidade. Ao longo da história, Arthur continua explorando e buscando, tentando encontrar um equilíbrio. Ele quer escapar do dilema de sua identidade e ao mesmo tempo luta pela redenção. Através da comunicação e do contato com Anna, Arthur gradualmente realizou seus verdadeiros desejos interiores e começou a enfrentar seus próprios desafios com bravura, tentando encontrar o caminho para a liberdade e a justiça. O filme “The Mechanic” apresenta um personagem cheio de complexidade e desafios através da exploração da identidade e do conceito de justiça do protagonista Arthur. No caminho para buscar a redenção, Arthur explora constantemente seus verdadeiros desejos interiores, mostrando um profundo processo de crescimento e luta. Através da criação desta personagem, o filme desperta o pensamento e a reflexão do público sobre justiça, redenção e identidade. O conflito entre matar e redenção O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino profissional. O protagonista, Arthur Maury, é um assassino implacável que aceita uma missão mercenária para completar missões de assassinato. Porém, durante uma missão, ele conheceu o filho de uma das vítimas, chamado Steve. O pai de Steve é morto pelas mãos de Arthur e Steve busca vingança. No entanto, sob a perseguição de Steve, ele gradualmente descobriu os segredos do passado de Arthur e descobriu seu coração complicado escondido por trás de sua identidade como assassino. Arthur está em conflito entre matar e redenção e começa a refletir sobre suas ações e a tentar compensar seus erros do passado. “The Machinist” é um filme emocionante que não apenas traz ao público cenas de ação emocionantes e tensas, mas também desperta o pensamento das pessoas sobre a moralidade e a natureza humana. Através da história do protagonista Arthur, o filme nos transmite uma mensagem profunda de que existe luz e trevas na natureza humana, e cada um de nós tem a oportunidade de escolher mudar a si mesmo e buscar a redenção e a salvação. A relação entre Arthur e Anna No filme “The Mechanic”, a relação entre o protagonista Arthur Maury e Anna é uma das tramas importantes do filme e um fator importante que afeta o rumo da vida de Arthur. O encontro entre Arthur e Anna foi um acontecimento acidental. Anna era um dos alvos de Arthur, mas durante a missão Arthur se interessou pela garota. Ele percebeu a bondade e a inocência de Anna, bem como seu amor e anseio pela vida. Arthur nunca teve um vínculo afetivo com ninguém, mas a presença de Anna cria um sentimento único nele. Com o contato com Anna, Arthur aos poucos abriu seu coração e começou a mostrar um lado diferente do assassino frio. Ele está disposto a acompanhar Anna e protegê-la de ameaças, ao mesmo tempo que demonstra carinho e carinho por ela. A inocência e a bondade de Anna contagiaram Arthur, o que gradualmente o colocou em contato com a busca pela justiça, a reflexão e a luta sobre sua própria identidade. À medida que o filme avança, os sentimentos de Arthur por Anna se aprofundam gradualmente, e ele começa a ter sentimentos reais por ela, não apenas um objetivo missionário. As emoções e lutas internas de Arthur o fizeram duvidar de sua identidade como assassino. Ele tentou escapar deste mundo frio e encontrar seu verdadeiro eu. O filme “The Mechanic” apresenta as complexas emoções e o processo de crescimento de um assassino através do relacionamento entre Arthur e Anna. As emoções e interações entre eles demonstram a profunda caracterização e desenvolvimento do enredo do filme. O aparecimento de Anna fez Arthur começar a pensar e buscar seu verdadeiro eu, ao mesmo tempo que lhe mostrou o poder do carinho e do amor. O desenvolvimento do enredo da história e o tema profundo do filme O filme “The Machinist” é um thriller de ação sobre um assassino cruel chamado Arthur Maury (interpretado por Jason Statham). O filme … Ler mais

Elementos de sucesso recomendados para 2024 do clássico filme de ação de ficção científica Rampage

março 5, 2024 Por maria

Rampage é um filme de ação e ficção científica lançado em 2018, adaptado do videogame de mesmo nome. Esta crítica cinematográfica analisará o filme sob vários aspectos: estrutura do enredo, criação de personagens, técnica de direção, tema e significado simbólico, bem como impacto e avaliação. Baixe o youcine e assista diretamente aos maravilhosos filmes originais. O enredo de Rampage é tenso e envolvente A história começa com um acidente no laboratório de uma empresa química chamada Energyne. Este acidente resultou na liberação de um vírus geneticamente modificado que afetou três animais: George (um orangotango), Ralph (um lobo cinzento) e Alfred (um crocodilo). Como resultado do vírus, George, Ralph e Alfred passaram por grandes mudanças físicas e tornaram-se extremamente agressivos. Eles começaram a causar estragos na cidade, causando grande destruição e ameaças. O protagonista David Okali é um soldado aposentado que tem uma profunda amizade com George. Ao perceber que George se tornou anormal, ele pede a ajuda de Caitlin, uma ativista e cientista. Eles percebem que devem parar a violência dessas feras gigantes e evitar mais destruição. David e Caitlin começam a formar uma pequena equipe enquanto tentam rastrear e controlar esses gigantes. No processo de busca por uma solução, descobriram a verdadeira intenção da Energy Dynamics, que era utilizar esses animais mutantes para desenvolver armas militares. À medida que a trama se desenvolve, um confronto feroz se desenvolve entre George, Ralph e Alfred. Entre eles, George foi transformado pela Energy Power Company em uma criatura mais feroz e se tornou a principal ameaça. No final, David e Caitlin conseguiram impedir a conspiração da Energy Dynamics e libertar George de seu controle. No entanto, durante a batalha final na cidade, ainda houve destruição violenta e caos. Eventualmente, David se juntou a George para derrotar Ralph e Alfred. O filme traz algumas surpresas para o público no final, dando a entender que pode haver mais gigantes por aí. David e Caitlin decidiram continuar a trabalhar juntos para garantir que estas ameaças fossem eficazmente contidas.Através da disposição da estrutura de enredo acima, o filme é compacto e cheio de tensão, permitindo ao público acompanhar o desenvolvimento da história com total atenção e vivenciar o clima tenso e emocionante do clímax. construção de papéis – Rampage Os personagens do filme têm personalidades distintas e são criados com bastante sucesso. David Okali é um soldado aposentado e melhor amigo de George, o orangotango, cuja perseverança e integridade ressoam no público. Caitlin é uma ativista com profundo conhecimento científico e propósito feroz, e forma uma parceria poderosa com David. Além disso, como um dos personagens importantes do filme, o orangotango George não só tem um lado espirituoso e bem-humorado, mas também transmite o calor da amizade sincera através de seu vínculo afetivo com David. Abordagem do diretor O diretor Brad Peyton usa uma variedade de técnicas para adicionar impacto visual ao filme. Ele habilmente usa planos gerais para mostrar enormes cenas urbanas, mostrando o efeito chocante de arranha-céus sendo destruídos por feras gigantes. Ao mesmo tempo, a edição rápida e os movimentos dinâmicos da câmera criam uma atmosfera tensa e emocionante. Além disso, Payton também incorporou alguns elementos humorísticos e usou de forma flexível a tecnologia de efeitos especiais CG para tornar a imagem da fera gigante mais realista e credível, aumentando a sensação de imersão do público. Tema e Simbolismo “Rampage” explora a relação entre o homem e a natureza e o impacto negativo do desenvolvimento tecnológico, tanto temática como simbolicamente. A relação entre o homem e a natureza: No filme, o aparecimento de feras gigantes é resultado da intervenção humana no ambiente natural. As empresas de energia e energia conduzem experiências genéticas motivadas pela busca de lucro e poder, ignorando o equilíbrio e as leis da natureza. Essa interferência humana desencadeia mutações nos animais, fazendo com que se tornem violentos e representem uma ameaça aos humanos. Este enredo implica que os humanos devem respeitar a natureza, reconhecer a sua interdependência com a natureza e estar conscientes da importância da protecção ambiental. Impactos negativos do desenvolvimento tecnológico: O filme revela os desafios e perigos que o desenvolvimento tecnológico trouxe até certo ponto ao ser humano. A Energy Power Corporation usa a ciência e a tecnologia para maus propósitos, tentando desenvolver armas biológicas ofensivas. Isto implica que a tecnologia nas mãos erradas pode levar a consequências catastróficas, tal como o uso indevido da tecnologia pode ter consequências devastadoras. O vídeo nos lembra de usar a tecnologia corretamente para evitar os danos causados pelo uso indevido e pela perda de controle. O poder da amizade e da cooperação: No filme, a amizade entre os protagonistas David e George é um tema importante. Um vínculo emocional especial se desenvolve entre eles, permitindo que David se comunique com George e procure ajuda. Esta amizade simboliza as possíveis ligações entre humanos e animais, ao mesmo tempo que realça a importância da cooperação e do trabalho em equipa na resolução de problemas. Proteção ambiental e conscientização de responsabilidade: Ao mostrar a destruição e as ameaças causadas por feras gigantes, o filme convida o público a pensar na proteção ambiental e no equilíbrio ecológico. A violência das feras gigantes lembra-nos a nossa responsabilidade no tratamento dos recursos naturais e do ambiente ecológico, bem como as nossas obrigações para com as gerações futuras. O filme transmite a importância de proteger o meio ambiente, proteger a biodiversidade e evitar danos aos ecossistemas. No geral, “Rampage” provoca o público a pensar sobre a relação entre o homem e a natureza através da exploração de temas e significados simbólicos, e lembra-nos das nossas responsabilidades e ações no desenvolvimento tecnológico e na proteção ambiental. Este tratamento temático aprofundado confere ao filme mais significado e valor. Impacto e Avaliação “Rampage” possui as seguintes características em termos de impacto e avaliação: Apelo do público: O filme atraiu a atenção de um grande público através da maravilhosa apresentação de efeitos visuais e emocionantes cenas de ação. A apresentação do gigante é impressionante e chocante. Para o público que … Ler mais

Dune 2: Cenas de guerra como nunca antes

março 5, 2024 Por maria

Inovação e profundidade nas cenas de guerra O filme Dune 2 é, sem dúvida, um banquete para os olhos, com suas cenas de guerra nunca antes vistas, o espetáculo de criaturas gigantes, como os Behemoth Sandworms, e a mistura dupla de forças tecnológicas, físicas, metafísicas e místicas. O diretor Denis Villeneuve usa habilmente esses elementos para dar vida ao mundo do romance homônimo de Herbert. Assista ao filme 2024 no YouCine! O YouCine tem uma enorme quantidade de recursos de filmes e transmissão de futebol ao vivo! Em primeiro lugar, vamos falar sobre as cenas de guerra em Dune 2. Ao contrário das cenas de guerra tradicionais, a guerra nesse filme tem mais a ver com estratégia, engenhosidade e luta por recursos. A guerra não é mais um simples duelo de forças, mas uma batalha abrangente que incorpora tecnologia, física, metafísica e forças místicas. Esse cenário torna as cenas de guerra mais complexas, mais profundas e mais ornamentais. No filme, podemos ver o uso de várias armas e equipamentos de alta tecnologia, como dispositivos voadores, armas de energia, etc., que mostram o progresso da tecnologia humana. Os efeitos visuais de Dune 2 e o espetáculo de objetos gigantes Entretanto, lutando contra essas armas de alta tecnologia estão as forças gigantes da natureza – os vermes da areia. Os vermes da areia são os gigantes do mundo de Duna, são enormes e poderosos e podem até mudar o terreno. A aparição dos vermes da areia torna as cenas de guerra ainda mais emocionantes e dá ao público uma compreensão mais profunda do poder da natureza. Além das cenas de guerra, as maravilhas dos gigantes no filme também são uma grande atração. O verme-sandworm gigante é um deles. Os vermes da areia não são apenas enormes, mas também possuem grande vitalidade e poder destrutivo. Eles vagam livremente pelo mundo das dunas, às vezes mergulhando sob a areia, às vezes saindo do solo, trazendo vitalidade e vigor infinitos para todo o mundo das dunas. A presença dos vermes da areia não apenas enriquece o efeito visual do filme, mas também dá ao público um senso mais profundo do mistério e do poder da natureza. É claro que a tecnologia, a física, a metafísica e o poder misterioso também são elementos indispensáveis no filme. A fusão desses elementos traz ao filme uma atmosfera de duplo caos. Por um lado, os seres humanos usam armas e equipamentos de alta tecnologia para tentar controlar todo o mundo de Dune; por outro lado, as forças misteriosas da natureza e os elementos metafísicos também estão constantemente desafiando o domínio dos seres humanos. Esse cenário de duplo combate torna o filme ainda mais intrigante e enche o público de curiosidade e desejo de explorar o mundo desconhecido. Os elementos tecnológicos e físicos do filme Dune nos apresentam um mundo futurista e tecnológico de Dune. O uso de equipamentos de alta tecnologia, como dispositivos voadores, armas de energia, tecnologia de escudo, etc., não só torna as cenas de guerra mais chocantes, mas também deixa o público cheio de expectativas em relação ao futuro mundo da tecnologia. Enquanto isso, os elementos físicos do filme Dune também merecem ser mencionados. O aparecimento e as ações dos vermes da areia não só mudam o terreno, mas também o equilíbrio ecológico de todo o mundo de Duna. Esse uso de elementos físicos torna o filme mais próximo da natureza e dá ao público uma compreensão mais profunda das leis e forças da natureza. A exploração artística do diretor Os elementos de poderes metafísicos e místicos no filme dão um toque de mistério e fantasia ao filme. No filme, podemos ver vários poderes e elementos misteriosos, como a previsão do futuro, o controle de criaturas e a manipulação de elementos. A existência desses poderes misteriosos não apenas enriquece o enredo e a caracterização do filme, mas também acrescenta um toque de mistério e fantasia ao filme. A fusão desses elementos com elementos tecnológicos e físicos torna o filme mais diversificado e enriquecido, além de fazer o público pensar sobre a relação entre os seres humanos e o mundo natural, a tecnologia e os poderes misteriosos enquanto desfruta do banquete visual. De modo geral, Dune 2 é um banquete visual, com suas cenas de guerra nunca antes vistas, as maravilhas de criaturas gigantescas, como os colossos e os vermes da areia, bem como a dupla mistura de forças tecnológicas, físicas, metafísicas e místicas, que trazem uma experiência chocante para o público. O filme Dune não apenas mostra o mundo do romance homônimo de Herbert, mas também permite que os espectadores desfrutem de um banquete visual enquanto contemplam a relação entre a humanidade e o mundo natural, a tecnologia e as forças místicas. Para quem gosta de ficção científica, aventura e temas de guerra, Dune 2 é, sem dúvida, uma obra-prima imperdível.

A juventude nunca acaba – “Your name”

março 2, 2024 Por maria

Já se passaram 7 anos desde que “Your Name” foi lançado, mas Makoto Shinkai ainda não fez um novo anime que possa superar seu próprio pico. Isso também pode ser visto que “Your Name” é suficiente para ser considerado o melhor em tal uma série. Uma das obras. Baixe o youcine e assista ao filme original! Talvez não tenha causado grande tristeza e pesar no coração do público, mas trouxe juventude, choque e emoção para inúmeras pessoas. Vamos dar uma olhada na desconhecida história dos bastidores de “Your name”. Makoto Shinkai fala sobre a criação de “Your Name” Os leitores devem estar familiarizados com Supervisão de Makoto Shinkai. Anitama também apresentou os antecedentes e trabalhos anteriores de Makoto Shinkai em artigos anteriores. Os leitores que perderam podem querer consultá-los. Porém, para apresentar a formação criativa de “Your name”, ainda precisamos seguir Xinhai e fazer uma breve revisão de seus trabalhos anteriores. Makoto Shinkai, que ficou famoso por sua produção independente de animação, não tem experiência em estudar em uma produtora de animação e desde sua estreia vem criando obras baseadas em seus próprios sentimentos. Porém, esta técnica atingiu seu limite em “Cinco Centímetros por Segundo”. Para encontrar um novo caminho, o diretor Shinkai aprendeu as técnicas de criação de histórias e adicionou elementos de drama de aventura em “Children Chasing Stars”. No entanto, embora o Diretor Shinkai se sinta bem consigo mesmo, as respostas recebidas por “Children Chasing Stars” foram em sua maioria negativas. Supervisor Xinhai que passou por contratempos Prestando mais atenção ao enredo, “O Jardim das Palavras” foi cuidadosamente produzido com duração condensada em 46 minutos. Graças à nova versão deste trabalho e aos comerciais animados que produziu para Z Club, Daesung Construction e outras empresas, o diretor Shinkai finalmente ganhou confiança para criar histórias e, em julho de 2014, fundou uma agência de planejamento, que é hoje o grande sucesso. O sucesso “Your name”. O diretor Shinkai, que queria criar uma história sobre a adolescência, pensou em muitos elementos, como os cometas. Outra influência que “Jardim das Palavras” trouxe para ele é que ele está mais inclinado a se referir a obras-primas clássicas. Então o Supervisor Shinkai procurou inspiração no waka e, depois de folheá-lo, viu um waka escrito por Ono Komachi: “Pensar nisso por muito tempo acabará por levar a um sono profundo, e o pensamento entrará no sonho. Se eu soubesse que era um sonho, não teria acordado.” Embora o roteiro tenha sido revisado diversas vezes, o enredo nunca mudou muito desde o primeiro rascunho. Especialmente o final da história foi decidido já no início. O supervisor Xinhai disse que, além desse final, ele não queria fazer nada. Posicionamento do Supervisor Xinhai de “Your name” É um filme puramente de entretenimento. Embora o problema da comunicação entre meninas adolescentes e pessoas que esqueceram sua ignorância das emoções naquela época sempre tenha sido o tema do Supervisor Shinkai, ele não desistirá desse tema. Mas enquanto esse tema não for comprometido, ele pode perseguir plenamente a criação de um filme que irá entreter o público. Entre eles, é um trabalho impecável, um trabalho que não deixou o público entediado por um único minuto nos 107 minutos de duração e serviu ao espírito de serviço para a extensão máxima. Embora muitas pessoas pensem que o Diretor Shinkai sempre soube apenas criar as animações que queria, esta não é a situação real. O diretor Shinkai certamente tem a mentalidade de satisfazer seus próprios desejos criativos, mas desde seu primeiro trabalho teatral “Voice of the Stars”, ele sempre teve a motivação de transmiti-lo a outras pessoas. Cada vez que faz um novo trabalho, ele tenta ao máximo simular a percepção do público em sua mente e no papel: O público vai se sentir entediado? Você ainda pode estar interessado em continuar assistindo, mesmo que não consiga entender o que está acontecendo à sua frente? Após o lançamento de cada trabalho, ele refletirá sobre suas deficiências nesse aspecto. Por exemplo, após o lançamento de “5 Centimeters per Second”, embora algumas pessoas tenham se sentido confortadas depois de assisti-lo, outras disseram que foram duramente atingidas e não iriam assistir uma segunda vez. Esta animação também é conhecida como “filme deprimente”. Certamente é bom que o trabalho possa trazer um toque tão forte às pessoas, mas o Supervisor Xinhai ainda quer transmitir uma mensagem mais ascendente ao público. nos últimos 14 anos A Supervisão Xinhai tem sido constantemente baseada em tentativa e erro. Durante a produção de “Children Chasing Stars” e “The Garden of Words”, ele pedia opiniões de pessoas ao seu redor sobre os roteiros todas as semanas. E “Your Name” fez um trabalho mais minucioso nesse quesito devido à participação de Genki Kawamura, um produtor bastante independente. O supervisor Xinhai e a equipe de produção passaram meio ano reunidos para discutir e revisar o roteiro. Isso fez com que o Supervisor Xinhai sentisse que embora sua essência não tivesse mudado, ele finalmente havia alcançado um objetivo que nunca havia sido alcançado antes. “Your name” é um filme para o público. Desde o início, o Supervisor Shinkai criou conscientemente para públicos que nunca ouviram falar dele. Portanto, ele não considerou se suas técnicas haviam sido utilizadas em filmes anteriores, e dedicou todas as suas melhores habilidades a “Your name”. Ao mesmo tempo, a animação também utiliza técnicas de expressão que o Supervisor Shinkai nunca experimentou. Por exemplo, a sequência de abertura onde os personagens aparecem e posam um após o outro é uma delas. O supervisor Shinkai acredita que aos olhos dos amantes do cinema hardcore, este trabalho é muito difícil em termos de música e ritmo do enredo, e a música tema é cantada por uma banda de rock popular como RADWIMPS, por isso pode não receber muitos elogios. No entanto, ele não hesitou em desistir desses fãs principais e quis conquistar um público mais amplo. Por isso, em “Your name”, o Supervisor Shinkai se esforça para proporcionar o frescor, o excesso e a correria que todo mundo adora. Nesse … Ler mais

Baahubali 2: Um filme com classificações tão altas realmente faz jus à sua reputação?

março 1, 2024 Por maria

“Baahubali 2: The Conclusão” é dirigido por SS Rajamouli, escrito por Vijayendra Prasad e estrelado por Prabhas, Ramya Krishnan, Rana Daggubati, Anu Um filme de guerra indiano estrelado por Shukar Shetty e Sesyaraj. Baixe o youcine e assista ao filme original. O filme recebeu grande aclamação após seu lançamento na Índia no ano passado. Arrecadou um total de 1,7 bilhão de yuans em bilheteria global, quebrando vários recordes de bilheteria e se tornando um dos filmes de maior bilheteria da história do cinema indiano. excelentes valores Pode-se perceber no filme que tudo o que os criadores desejam expressar são coisas positivas, como bravura, justiça, felicidade, como pessoas boas obtendo bons resultados, pessoas más recebendo más retribuições, etc. Portanto, pode-se dizer que o personagem “Baahubali” é um personagem representativo dos filmes indianos que o criador deseja exibir. Ele pode representar um pequeno grupo de pessoas ou um tipo de pessoas em todo o país da Índia., pode até mesmo pode-se dizer que ele é na verdade uma expressão do anseio de todo o índio por uma vida melhor. Imaginação desenfreada As cenas de guerra e luta do filme estão repletas de todos os tipos de ideias imaginativas e o efeito de visualização é realmente agradável. Por exemplo, quando os bárbaros invadiram, Baahubali dirigiu sozinho a formação do touro de fogo e também usou o poder do gado para abrir o portão do reservatório e lavar o inimigo; por exemplo, o belo barco cisne navegando no mar de nuvens , cada quadro pode ser usado como papel de parede; Por exemplo, quando o príncipe retorna para se vingar, de frente para o imponente portão da cidade, eles usam a elasticidade da árvore para pisar na árvore e girar 360 graus, e são possuídos por sua armadura e escudo e são jogados na cidade do palácio pelo árvore. O design dessas cenas adiciona uma forte cor de fantasia oriental a todo o filme. Dedicação do ator Prabhas, o ator que interpreta Baahubali, não filma nenhum outro filme há quatro anos para este filme e também está se mantendo em forma para este filme. Esse tipo de profissionalismo quase o tornou um ator da vida real em Hyderabad. herói. Quem já se exercitou sabe como é difícil ganhar músculos e manter a forma. Por trás dos quatro anos de manutenção da forma, podemos ver o trabalho árduo que os atores fizeram para o filme. Por causa disso, podemos apreciar aquelas cenas de luta poderosas. Excelente produção O filme tem cenas lindas, e duas cenas clássicas são imperdíveis: Uma é o canto e a dança do barco cisne. Embora sempre me lembre da dança estranha no final de “Kung Fu Yoga”, essa dança é combinada com efeitos especiais requintados.A cena dos protagonistas masculinos e femininos dançando nas nuvens é realmente adequada como papel de parede. Uma é a cena final da luta entre tio e sobrinho. Os dois tiraram a armadura para revelar seus músculos fortes. Eles mostraram a beleza da força bruta no martelo e no punho de ferro, e suas poses de luta também eram muito vistosas. Muitas reclamações-Baahubali Algumas cenas que não podem ser explicadas por mitos Por exemplo, o cabelo do protagonista masculino está sempre voando. Essa estética de virar o cabelo e parecer descolado era comum nos filmes da década de 1990, mas o público de hoje não aceita essa ideia. Por exemplo, todo mundo parece ter olhos na nuca. Ao ser sitiada, a heroína chutou o ladrão que estava na sua frente em um segundo, e no segundo seguinte ela levantou a mão e brandiu a espada para bloquear o ataque por trás (sem sequer se preocupar em olhar para trás); após o herói atirar flecha para repelir o inimigo à sua frente, ele não hesitou em atacá-lo. Três flechas foram disparadas atrás dele, matando três deles. Até o tio Kattappa havia adquirido essa habilidade. Baahubali chamou o tio e levantou a mão para pegar a espada que vinha dele sem sequer olhar. Por exemplo, quando Baahubali derrubou uma grande árvore com sua espada e derrubou todos os bandidos, apenas o tio Kattappa ficou parado no meio da árvore, são e salvo. Por exemplo, ao acompanhar o primo da princesa para atirar em javalis, por melhores que fossem as habilidades de tiro com arco de seu primo, Baahubali poderia calibrá-lo com apenas um toque de sua mão atrás dele? Você também consegue prever a direção da flecha que atinge o oponente e atinge o javali? Por exemplo, o portão do reservatório pode ser facilmente aberto com a ajuda do poder de duas vacas. Acontece que a construção do tofu existia nos tempos antigos. Por exemplo, para escoltar a rainha-mãe para fora do palácio, Khakipa desmontou todo o portão como uma barreira e bloqueou sozinha todos os guardas. Posso aceitar que o protagonista masculino nasça com poderes sobrenaturais, mas que diabos é aquele velho Khakipa que de repente se parece com o Popeye que comia espinafre? Senti profundamente que minha inteligência estava sendo derrubada e devastada pelo diretor. E quando vi Baahubali voando por trás da princesa e atirando três flechas em uma saraivada, além de uma mistura de seis flechas perfurando o coração e várias poses, finalmente soltei um uivo desesperado involuntariamente. Lacunas lógicas que colocam a carroça na frente dos bois Algumas pessoas dizem que isso é um conto de fadas, então não se enrede muito. Mas não importa qual seja a história, ela deve ter lógica e racionalidade básicas, e o resultado deve ser deduzido com base nas condições. Mas neste filme, trata-se mais de atingir um determinado objetivo e, assim, reverter o processo para torná-lo forçosamente razoável. Por exemplo, a princesa Devasana deve caminhar três vezes ao redor da estátua de Shiva com um braseiro na cabeça e os pés descalços. O segredo é não parar. Então o vilão queimou a única ponte no caminho a seguir. Para permitir que a princesa avançasse sem problemas, o roteirista pediu ao tio e ao sobrinho que estavam … Ler mais

O Capitão América também merece ser chamado de herói?

fevereiro 28, 2024 Por maria

Sempre gostei da Marvel, mas os únicos filmes da Marvel que Luoxue realmente consegue lembrar do fundo do coração são a versão de Tobey da trilogia “Homem-Aranha” e “Capitão América: Guerra Civil” no atual Universo Cinematográfico da Marvel. Baixe o youcine, mergulhe no filme e assista a história completa. No Universo Cinematográfico Marvel de hoje, este filme não é aquele com maior audiência ou maior bilheteria, mas é o favorito de Luo Xue. Porque pela primeira vez, este filme tira o casaco justo e brilhante do Capitão América, deixando apenas a hipocrisia, o egoísmo e a falta de vergonha. Além do mais, este filme é a primeira e única vez em todo o universo Marvel que começa a explorar a questão da supervisão do poder e a examinar todos os comportamentos dos super-heróis da perspectiva das pessoas comuns. Pode-se dizer que “Capitão América 3” é o filme mais instigante de todo o Universo Cinematográfico Marvel, mas também é o filme mais irritante. Porque a ideologia Juche de um determinado país mostrada através do Capitão América no filme é realmente nojenta. Há dois dias, escrevi um tweet por capricho sobre como a maioria dos heróis do Universo Cinematográfico Marvel não são dignos de serem chamados de heróis. O resultado foi uma forte discussão. Algumas pessoas justificaram e outras defenderam. Eu sou Estou muito feliz por ter essa discussão, mas também fico triste por algumas pessoas que só sabem amaldiçoar, então hoje falarei sobre “Capitão América: Guerra Civil” e vamos descobrir a hipocrisia e o egoísmo sob o manto justo do Capitão América. Ele é tão nojento, tão fisicamente desconfortável! A tristeza das pessoas comuns Quando o Batman quis destruir o Superman, Luo Xue não entendeu muito bem na época, afinal, o Superman também estava lutando pelas pessoas comuns. Mas olhando para trás agora, você descobrirá que todos se colocam na perspectiva dos heróis, mas alguém já pensou na tristeza das pessoas comuns? Em um mundo de super-heróis, as pessoas comuns são apenas uma série de números, apenas uma ferramenta para os heróis alcançarem a fama.Quem pode ver o problema da perspectiva das pessoas comuns? As pessoas que perderam a vida na batalha de Nova York em “Vingadores 1”, bem como as pessoas comuns afetadas em “Capitão América 2”, as pessoas que perderam a vida em “Vingadores 2” e as pessoas que perderam a vida em “Capitão América 3” Alguém se importa com aqueles que morreram acidentalmente durante a captura de Hydra? Não! Eles são apenas um monte de números, e são apenas pessoas que o Capitão América diz que não deveriam estar muito enredadas para salvar melhor as pessoas da próxima vez. Então, o que os super-heróis estão salvando? Quem decide quem merece ser sacrificado? A negra do início de “Capitão América 3” disse: “Você acha que está lutando por nós? Você só está lutando por si mesmo. Quem pode vir vingar meu filho?” Super-heróis criam problemas, eliminam problemas e, finalmente, tornam-se heróis e chamam a atenção do público, mas o que as pessoas comuns ganham com essa farsa? Depois de ficarem assustados, sofrerem perdas e perderem familiares, as pessoas comuns não ganharam nada, e até perderam tudo por causa disso, mas no final conseguiram o instigador. Não é irônico? Em “Homem de Ferro 1”, “Homem de Ferro 3” e “Vingadores 2”, Tony criou três grandes vilões sozinho. No final, ele destruiu os vilões e se tornou um herói. Mas e as pessoas comuns? Alguém já pensou em sua perda? Não! Porque ainda estão satisfeitos por terem salvado o mundo e também torcem por se tornarem heróis nacionais. Somente as pessoas feridas estão imersas em uma dor sem fim. Quando a tragédia não se abateu sobre eles, o Capitão América confortou a autoculpada Feiticeira Escarlate em “Capitão América 3” e disse: “Sempre trabalhamos duro para salvar o maior número de pessoas possível, mas às vezes não podemos salvar a todos. não puder aceitar isso, então talvez você não consiga salvar ninguém da próxima vez.” Porém, quando a tragédia se abateu sobre ele, ele não estava mais calmo. Por que não pensou nisso e parou de se culpar se não conseguiu salvá-lo? Como Thanos estalou os dedos em “Vingadores 3”, o Capitão América, que perdeu seu amigo em “Vingadores 4”, ficou deprimido e foi a um clube de ajuda mútua para compensar seu trauma espiritual. Hawkeye perdeu sua família e se tornou um “vigilante sanguinário” no Japão. Por que eles podem ser indiferentes às pessoas comuns e à vida quando são “supostas pessoas salvadoras”, mas quando estão profundamente envolvidos nisso, têm uma atitude completamente diferente. Quão humildes são as pessoas comuns e quão indignas de serem valorizadas elas são ?, e que padrões duplos os heróis têm? Egoísmo de super-herói Quando postei meu último tweet, muitas pessoas estavam dizendo que se não existissem mais super-heróis, quem estaria lá para proteger as pessoas no mundo do cinema? Se não, está certo! Porque as pessoas comuns finalmente não precisam sofrer para alcançar a reputação de heróis. Por que alguém pensaria que se o Superman não vier à Terra, o General Zod virá à Terra? O cerne do filme “Capitão América: Guerra Civil” é, na verdade, a discussão sobre a regulação do poder. Como Tony fez muitas coisas erradas e sofreu repreensão de consciência, em “Capitão América 3” o Homem de Ferro defendeu ativamente o fortalecimento da supervisão dos heróis, enquanto o Capitão América usou vários motivos não positivos no processo. Algumas pessoas dizem que ele não confia no governo porque teme que o governo tenha sido infiltrado. errado! “Capitão América 3” afirma claramente que os “Acordos de Sokovia” que eles querem assinar não são para ordenar que façam nada e tratá-los como armas do governo, mas “todas as ações devem ser supervisionadas por uma equipe especializada das Nações Unidas, e somente a Ação pode só será realizada quando a equipe especializada julgar necessária.” Por outras palavras, alguém os supervisionará e avaliará as suas acções, mas não lhes ordenará directamente nada. Além disso, não … Ler mais

O nível clássico do filme de suspense “Órfão” pode ser chamado de teto dos dramas de suspense 2024

fevereiro 26, 2024 Por maria

O filme “Órfão” é um thriller psicológico lançado em 2009, O nome em inglês é Orphan. Dirigido por Patricia Rekin e estrelado por Peter Salmon e Elizabeth Sheayo. O filme acompanha a chegada de uma misteriosa menina órfã e as horríveis revelações das maldades de sua família. O filme recebeu grande aclamação da crítica e se tornou um clássico dos dramas de suspense. Para assistir ao filme completo, baixe o youcine e leve o mais recente home theater para casa. A história começa com um casal que perdeu o filho Kate e John, que decidem adotar uma criança para preencher um vazio em suas vidas. Eles escolheram Esther, de 9 anos, uma órfã da Rússia. Porém, com o passar do tempo, acontecimentos estranhos começam a acontecer em torno de Esther. Kate suspeita que Esther não seja a criança que afirma ser e começa a investigar seu passado. Ela gradualmente descobre o terrível segredo de Esther, descobrindo que ela não é apenas uma mentirosa perigosa, mas também uma assassina implacável. O clímax do filme gira em torno dos esforços de Kate para descobrir a verdadeira identidade de Esther e proteger sua família do perigo. Esta batalha psicológica leva Kate ao seu limite, pois ela deve superar sua própria situação para salvar sua família. “Orphan” mergulha o público em um drama psicológico tenso, criando uma atmosfera de tensão e desconforto. O comportamento misterioso de Esther e a investigação de Kate perturbam o público e acrescentam profundidade à trama. Atores como Elizabeth Sheeyo e Elena Paley apresentam atuações excepcionais no filme, transmitindo com sucesso a complexidade e os conflitos emocionais de seus personagens com suas habilidades de atuação. As reviravoltas e revelações do filme deixam o público chocado, e a verdadeira identidade de Esther e as motivações por trás de suas ações são de cair o queixo. O filme usa efeitos visuais e linguagem de lente para realçar a atmosfera aterrorizante, especialmente nas cenas principais, deixando o público inquieto e nervoso. Mais do que um thriller psicológico, o filme explora temas de relações familiares, perdas e vingança. O papel de Kate como mãe também é profundamente testado no filme. Questões levantadas por “Órfão’s Revenge” “Orphan” oferece reflexões perspicazes sobre questões de família, saúde mental e abuso. O filme mostra uma família aparentemente feliz ameaçada por uma criança instável, destacando a importância das responsabilidades de educação e tutela. Além disso, o filme explora as causas e efeitos do mal psicológico, enfatizando a gravidade dos problemas de saúde mental. Em última análise, o filme transmite uma mensagem importante ao público: a necessidade de atenção e apoio nas famílias e na sociedade para indivíduos que sofrem de sofrimento psicológico. No geral, o filme Órfão é um thriller psicológico tenso conhecido por seu elenco estelar, reviravoltas surpreendentes na trama e visuais aterrorizantes. O filme explora as relações familiares, a saúde mental e o abuso através de uma complexa história familiar, proporcionando uma experiência de visualização instigante. Criação de atmosfera O filme “Órfão” é famoso por sua atmosfera cuidadosamente construída e, por meio de uma série de técnicas e elementos, traz com sucesso o público ao mundo tenso, inquieto e assustador do thriller psicológico. A música do filme conta com uma trilha musical única, cheia de tensão e notas inquietantes. Os efeitos sonoros também são usados de forma inteligente, como o rugido de um grande tubarão branco, o som do vento e ruídos estranhos, para aumentar a sensação de medo do público. O filme usa múltiplas linguagens de lentes Como edição rápida, close-ups, movimentos de câmera, etc. Essas técnicas criam uma sensação de tensão e envolvem o público mais profundamente na trama. Através de efeitos visuais, o filme adiciona um elemento de terror. Por exemplo, efeitos visuais em momentos importantes, como cortes rápidos de tela e alucinações visuais, aumentam a sensação de desconforto. O tom do filme tende para tons escuros e frios Intensifica sentimentos de desconforto e tensão. Essa escolha de cores faz com que o espectador sinta frio, sozinho e assustado. Imagens de alto contraste criam imagens nítidas e aumentam a tensão. O contraste entre escuridão e luz faz com que a trama se destaque ainda mais. Grande parte do filme se passa em uma casa grande e isolada e na floresta ao redor. Este ambiente isolado aumenta a sensação de desamparo do protagonista e fornece um cenário ideal para elementos de terror. Há algumas cenas do filme que acontecem em caminhos e florestas escuras, locais que aumentam a tensão do público e parecem esconder o perigo. Ester é a personagem central do filme Há um claro contraste entre sua aparência e comportamento e sua verdadeira natureza. Essa configuração de personagem aumenta a sensação de desconfiança e tensão do público. O excelente desempenho de Elizabeth Sheeyou faz de sua personagem Kate uma substituta do público, permitindo que o público sinta a tensão e o desconforto através de sua perspectiva. O filme revela o comportamento horrível de Esther e sua psicologia mórbida através de um drama psicológico. O público aprende gradualmente quem realmente é Esther, o que aumenta a tensão. O filme também explora as tensões e complicações emocionais dentro da família, o que aumenta a tensão e a ressonância emocional para o público. Existem várias reviravoltas inesperadas no filme que deixam o público chocado e nervoso. Esses momentos aumentam a rigidez da trama. O clímax do filme é tenso e o público vivencia uma crise de vida ou morte com o protagonista, o que aumenta o investimento emocional do público. Em geral, o filme “Órfão” criou com sucesso uma atmosfera tensa, inquietante e aterrorizante através de várias técnicas e elementos, como design de som, habilidades fotográficas, iluminação e cor, layout de cena, criação de personagens, elementos de terror psicológico e reviravoltas na trama. O público passa por uma jornada psicológica aterrorizante no filme, ao mesmo tempo em que reflete sobre as relações familiares e questões de saúde mental. Essas técnicas de construção de atmosfera tornam o filme um thriller psicológico impressionante que o público adora.

O clássico O Diário da Princesa está sendo reiniciado!

fevereiro 22, 2024 Por maria

A Disney está finalmente reiniciando O Diário da Princesa 3, 18 anos após o último filme da série! Assista a filmes clássicos no YouCine! O YouCine geralmente oferece qualidade de transmissão de vídeo HD para garantir que os usuários possam desfrutar de uma experiência de visualização nítida e de alta qualidade. O retorno da série O Diário da Princesa Pensando no lançamento de O Diário da Princesa em 2001, ele já foi o sucesso do ano, seguido por O Diário da Princesa 2 em 2004, que continuou a história e a atenção de seu antecessor e deu início a uma série clássica e moderna de contos de fadas. Mas, na década que se seguiu, não houve uma continuação desse doce conto de fadas, mesmo com a expectativa de inúmeros fãs em todo o mundo. O veterano diretor Gary Marshall (Pretty Woman), que criou os dois primeiros episódios da série, mencionou sua expectativa de fazer O Diário da Princesa 3 em uma entrevista à imprensa em março de 2016. Infelizmente, porém, o idoso Marshall faleceu naquele ano devido a complicações de uma pneumonia. Atualmente, a série de comédia, que foi lançada em 2001, não apenas fez seu nome com Anne Hathaway, mas também se saiu muito bem nas bilheterias (os dois primeiros filmes arrecadaram US$ 300 milhões). E quanto ao próximo O Diário da Princesa 3, Hathaway, 40 anos, diz que continuará a interpretar a Princesa Mia se o roteiro estiver à altura. Anne Hathaway ainda está em ótima forma aos 40 anos na foto de fora do círculo deste ano. Não só isso, mas Julie Andrews, que interpreta a Rainha, e os rostos antigos que apareceram nos dois primeiros filmes também devem retornar com força total. Afinal, a Disney Pictures não está usando o nome “The Princess Diaries” para refilmar um filme antigo, mas sim para continuar a história do segundo filme e continuar a escrever o diário pessoal da princesa Mia. A série O Diário da Princesa é baseada no romance homônimo da autora Meg Cabot, que foi publicado em 2000 e se tornou um grande sucesso entre os leitores. Como o enredo e os traços de caráter dos romances se encaixavam naturalmente em uma produção da Disney, esta logo comprou os direitos para uma adaptação cinematográfica. O primeiro filme se passa em São Francisco e apresenta Mia, uma aluna do ensino médio com aparelho nos dentes e óculos de aro preto, que é praticamente invisível na escola e frequentemente ignorada. O pior de tudo é que ela pode até fugir de um discurso devido a um ataque de pânico. Mia não vê o pai desde criança e só sabe pela mãe, que é pintora autônoma, que ele estava longe, na Europa, até falecer inesperadamente há dois meses. Por causa disso, a vida de Mia está prestes a mudar radicalmente. Julie Andrews interpreta a Rainha do Reino de Genóvia que, para manter seu reinado, precisa encontrar sua neta, Mia, e fazer com que ela aceite sua condição de princesa e herdeira do trono. Assim, quando Mia encontra sua avó na majestosa e luxuosa embaixada de Genóvia e descobre sua verdadeira identidade, ela fica atônita com a verdade. Afinal de contas, é muito conto de fadas esperar que o título de princesa caia do céu! Embora o título real permita que ela viva o resto de sua vida como uma pessoa de alta classe, isso também significa que ela perderá sua privacidade e liberdade, e será forçada a passar pela burocracia diária sem nunca mais desfrutar de sua liberdade. Crescimento e evolução do personagem O primeiro livro da série O Diário da Princesa trata da decisão de Mia de se tornar uma princesa. Essa jovem colegial precisa aprender a reconhecer a amizade e o amor diante das tentações do poder, da busca pela autoestima e da responsabilidade inescapável de se conhecer novamente. Na sequência de 2004, O Diário da Princesa 2, Mia, uma universitária, está prestes a enfrentar um novo desafio: sua avó, Clarisse, está prestes a deixar oficialmente o cargo de rainha e passar o trono para a princesa Mia. O processo aparentemente simples de passar o trono não é isento de complicações, pois Chris Pine (Star Trek) interpreta Nicholas, um membro da família real que também tem o poder de herdar o trono e que, como nobre nativo de Genóvia, é mais popular do que Mia. A única maneira de uma sucessão tranquila é Mia consumar seu casamento em um mês. Hathaway e Pine em sua juventude Mia é forçada a ir a um encontro às cegas e se apaixona por um aristocrata inglês. Enquanto isso, um rival, Nicholas, encanta o coração de Mia, e os dois vivem uma hilária história de amor. De acordo com o desenvolvimento convencional da trama, Nicholas deve desistir do trono e se casar com Mia, o que, por um lado, satisfaz o amor e, por outro, também satisfaz Mia. Mas, surpreendentemente, no dia do casamento, Mia rejeitou corajosamente o compromisso do “casamento pelo trono” e disse que, independentemente de ser princesa ou rainha, o casamento não deveria ser um sacrifício pelo trono. Embora Mia e Nicholas tenham acabado ficando juntos, Mia existe como indivíduo. Nos primeiros anos de sua carreira, o público ainda tinha uma imagem semelhante de Hathaway como Princesa Mia na tela, do tipo Cinderela Encantada. Como a editora de moda em A Rainha Veste Prada, a Mulher-Gato em Batman: O Cavaleiro das Trevas Ressurge, Jane Austen em Becoming Jane Austen e a cientista em Star Trek Beyond, a capacidade de Hathaway de lidar com diferentes papéis é evidente. Em retrospecto, quando assistimos a O Diário da Princesa em detalhes, percebemos que Hathaway como Princesa Mia é tão encantadora, e a interpretação de Hathaway da Princesa Mia é tão adorável. A qualidade que mais chama a atenção na Princesa Mia é sua aparência despretensiosa e desajeitada na vida cotidiana. Entretanto, quando a estilista cuida dela, alisando seu cabelo e arrumando suas sobrancelhas, Mia, como uma jovem que nunca sai … Ler mais

American Fiction Sátira engraçada

fevereiro 19, 2024 Por maria

American Fiction: Uma sátira sobre raça e mídia O Thelonious “Monk” Ellison, de Jeffrey Wright, vai longe demais no início de American Fiction, um filme agradável que agrada ao público e satiriza a raça, a mídia, artistas, políticas de identidade e até mesmo Hollywood é engraçado e inteligente. Assista a filmes no YouCine! O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de recursos como interação social e recomendações personalizadas para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. American Fiction Monk é um artista desiludido clássico, um professor e escritor que escreve o tipo de histórias literárias que ele quer ver no mundo. Ele não estava interessado em raça, ou pelo menos no tipo de “pornografia da miséria negra” que parecia estar em toda parte, seja em anúncios do Mês da História Negra na TV ou em conferências de livros. Dilemas morais e lutas internas O livro mais recente que o enfureceu foi We Live in the Ghetto (Vivemos no Gueto), de uma mulher negra confortável de classe média alta (Issa Rae), que foi entrevistada sobre a frustração que sentiu ao trabalhar em uma agência literária depois da faculdade porque não via histórias sobre “seu povo”. Mas, por mais exploradoras e humilhantes que sejam, essas são as mesmas pessoas que conseguem contratos de livros, fazem vendas, atraem grandes multidões em eventos de livros e conseguem contratos de filmes. O livro de Monk, por mais inteligente que fosse, não teve sucesso – até uma noite de bebedeira, quando ele escreveu uma paródia de um romance negro que odiava sob um pseudônimo que, de repente, causou sensação. Cord Jefferson, em sua estreia na direção, estabelece imediatamente o tom do filme em uma cena em que uma garota branca se irrita com Monk por escrever uma determinada palavra (todas as sete letras) em um quadro negro. “Com todo o respeito, Britney, eu superei isso. Tenho certeza de que você também pode”, diz ele. Enquanto ela luta, Jefferson corta para um close-up de Wright rosnando, depois corta rapidamente para a saída de Britney. Ouvimos Monk perguntar com raiva aos demais alunos ao fundo se eles realmente querem falar sobre leitura. Monk não é bobo e parece não conseguir dizer o que sente em nenhum momento, mas ele também incomoda muitas pessoas. Momentos depois, ele se encontra em Boston em um feriado desnecessariamente obrigatório com sua família: a mãe Agnes (Leslie Uggams), a irmã Lisa (Tracee Ellis Ross) e o irmão Cliff (Sterling Brown). Relacionamentos familiares complexos Essa família em American Fiction é complexa e está lutando – quem não está? – mas não da maneira que os romances desagradáveis de Monk sempre parecem querer que as famílias negras sejam. Lisa é uma médica da Planned Parenthood que tenta se recuperar de um divórcio e cuidar de sua mãe que se deteriora rapidamente. Cliff também é médico, um cirurgião plástico que descobre que gosta de homens depois de se casar com uma mulher. Os dois ficam com traumas persistentes por causa da morte de seus pais e se preocupam com dinheiro e com a forma de cuidar de suas mães. Uma sátira à literatura e a Hollywood American Fiction Jefferson adaptou a história de Erasure, de Percival Everett, que ainda é relevante 20 anos depois. Ele despacha pessoas brancas, especialmente de forma apoplética, para gritar suas ideias sobre histórias reais de negros, como a agente literária Paula Bateman (Miriam Shore) e o cineasta Willie (um Adam Brody muito engraçado, cujo personagem pode ser uma continuação espiritual de seu assistente de “Obrigado por Fumar”). Willie está atualmente trabalhando em um filme chamado Plantation Annihilation (Aniquilação da plantação), no qual os fantasmas dos escravos se enfurecem em uma fúria assassina. Embora não seja exatamente sutil, também não é exatamente simplista – não tenho certeza de que o filme realmente diminua o tom do personagem de Rae em particular, para grande desgosto de Monk (e nosso). Mesmo assim, não é surpresa que American Fiction tenha ganhado o prêmio People’s Choice Award no Festival de Cinema de Toronto. É um filme muito agradável de assistir, desprovido de brilho ou pretensão, confiando em seu roteiro afiado e no elenco talentoso e carismático para levar o público. Wright é particularmente agradável no centro de tudo, enquanto navega em um novo relacionamento e nas consequências de suas mentiras e até onde está disposto a ir.