maria - YouCine - Página 28 de 39

Taylor Swift: The Eras Tour é a verdadeira rainha do showbiz!

janeiro 2, 2024 Por maria

Veja Taylor Swift: The Eras Tour no YouCine! O YouCine, seu passaporte para explorar o mundo do cinema, tem uma gama diversificada de conteúdo de filmes e televisão para atender a todos os gostos e interesses. O impacto de Taylor Swift: The Eras Tour ‘Taylor Swift: The Eras Tour’. Quão fenomenal é isso? Ultrapassou Star Wars: The Force Awakens no dia da pré-venda com US$ 37 milhões, tornando-se o segundo colocado no total de pré-venda do primeiro dia na América do Norte, atrás de Vingadores 4: Ultimato. Um “filme de show” que não é uma “faixa mainstream” e que vendeu tanto, até mais do que os sucessos de bilheteria de Hollywood, causou um choque no setor. Em 1º de outubro, Beyoncé também anunciou que seu filme de show “Beyoncé: Renaissance” será lançado em dezembro deste ano, juntamente com “Renaissance”, de Taylor Swift. O filme, assim como o de Taylor Swift, será lançado nos cinemas diretamente com a AMC Theatres, ignorando a Sony Pictures, a mesma empresa controladora de sua gravadora Columbia Records. Que tipo de filme é Taylor Swift: The Eras Tour? Em poucas palavras, é uma versão cinematográfica da sexta turnê mundial de Taylor Swift, a The Eras Tour. “A The Eras Tour começou em março deste ano e está programada para fazer 146 shows em cinco continentes antes de terminar no final do próximo ano, com 195 minutos de duração e 44 músicas. É a maior e mais longa turnê de Taylor Swift até hoje, e ela mesma diz que “é uma jornada pelas eras musicais de sua carreira”. Enquanto a turnê norte-americana estava em hiato, a Eras Tour não parou por aí, apenas assumiu uma forma diferente: em agosto, Taylor Swift contratou o diretor Sam Lenzi para gravar e filmar três noites de apresentações em Los Angeles na última etapa da turnê norte-americana, que foram então produzidas por cinco editores, resultando no vídeo de 165 minutos “Taylor Swift: The Eras Tour”, de 165 minutos. O desenvolvimento do filme concerto O conceito de “filme concerto” remonta ao filme “Adventures in Music”, de 1944, que incluía as obras de vários artistas clássicos, como Chopin, Beethoven, Liszt e outros artistas famosos. Em termos de conteúdo, os primeiros filmes de concerto tinham atributos documentais mais fortes e apresentavam uma única forma de música. O verdadeiro clímax dos filmes de concerto ocorreu por volta da década de 1960. Após a Segunda Guerra Mundial, os conceitos sociais globais mudaram drasticamente, impulsionando o surgimento do pensamento progressista, grupos de jovens em busca de liberdade e emancipação, a música carrega a expressão dos jovens, a música pop entrou em um período de ouro, um grande número de músicos coesos para cooperar com as imagens de documentários de festivais de música são bastante populares, por exemplo, “Monterrey Pop Festival”, “Woodstock Festival”. Taylor Swift: The Eras Tour Esse não é um filme de concerto comum, pois envolve Swift, que se transformou em uma das forças culturais mais poderosas do ano passado: suas turnês estão a caminho de se tornarem as primeiras a atingir US$ 1 bilhão em bilheteria, ela injeta milhões de dólares na economia local toda vez que faz uma turnê em uma nova cidade, ela e seus fãs criam tremores de terra equivalentes a pequenos terremotos com o barulho dos shows. Os shows eram tão emocionantes que os fãs relataram sofrer de amnésia depois. O filme como um fenômeno cultural O filme também proporcionou a oportunidade de assistir ao show para os fãs que não puderam ir ao concerto, comprar ou comprar ingressos durante a infame falha no sistema de ingressos da Ticketmaster no outono passado. Eles assistiram à transmissão ao vivo no TikTok com entusiasmo, viram os frequentadores do show trocarem pulseiras da amizade, uma tradição dos shows de Swift, e ficaram extasiados por fazer parte da história da Eras Tour com o filme. “Esse é um grande momento para todos os cinemas”, disseram os analistas de bilheteria. “Em termos de nível de empolgação para esse filme de show, não há precedentes.” Ele observou: “Talvez não tenhamos visto um filme como esse desde os filmes dos Beatles dos anos 60”. A AmC e seus parceiros de subdistribuição fecharam um acordo para exibir Taylor Swift: The Eras Tour em mais de 8.500 salas de cinema em cerca de 100 países. Além dos US$ 100 milhões em pré-vendas em todo o mundo, espera-se que o filme arrecade mais de US$ 100 milhões em sua estreia nos Estados Unidos, uma vez que as receitas de bilheteria sejam levadas em conta. Embora os “filmes de shows” nunca substituam o objetivo dos “shows” – os fãs poderem ouvir seus ídolos “cara a cara” – eles nunca poderão fazer isso com um “filme de show”. Embora os “filmes de shows” nunca substituam o objetivo de um show – em que os fãs podem ouvir seus ídolos cantarem “cara a cara” – eles podem ter um grande potencial à medida que a tecnologia cinematográfica evolui para oferecer um nível mais alto de espetáculo audiovisual. O “filme-concerto” de Taylor Swift, “Taylor Swift: The Eras Tour”, tornou-se um grande sucesso, principalmente porque a própria Taylor Swift é uma superestrela internacional com grande apelo. É por isso que uma parte da bilheteria de $123,5 milhões veio da bilheteria internacional.

The Gramd Budapest Hotel: Amizade e Vida nos Anos de Guerra

dezembro 28, 2023 Por maria

The Gramd Budapest Hotel é um filme clássico e peculiar que combina os elementos quase opostos de comédia e suspense, e é tão evocativo quanto um livro ilustrado requintado. Embora Wes Anderson já seja conhecido por seu uso visualmente requintado de cores ousadas e altamente saturadas, cinematografia sem esforço e composições simétricas rigorosas, este artigo se concentra nas implicações narrativas do filme. Assista ao clássico filme O Grande Hotel Budapeste no YouCine! O YouCine tem uma enorme variedade de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e muito mais. Composição simétrica e estrutura narrativa de circuito fechado Em todo o filme The Gramd Budapest Hotel, as quatro narrativas ecoam umas às outras, formando uma estrutura completa de ciclo fechado. O diretor intencionalmente fez uma distinção clara ao mudar o formato: widescreen da Academia para os dias atuais, widescreen 16:9 para os anos sessenta e a proporção padrão predominante na época para os anos trinta. A mudança de quadro é uma maneira apropriada de mostrar a forma do desempenho do protagonista em cada época. Os outros detalhes estão espalhados, mas não são caóticos; o ritmo dos segmentos legendados é muito original e pessoal do diretor. As legendas de rolagem de The Gramd Budapest Hotel têm um toque vintage, dando à história uma sensação distinta de época, assim como a máquina de escrever do filme. A melhor parte é a alternância de tempo e espaço, em que a verdade do passado é entrelaçada com as lembranças do passado contadas muitos anos depois, sublimando o tema. Os personagens ricos e variados são os destaques do filme: o paranoico Gustav, que é rápido e decisivo ao cuidar do hotel, e seu forte senso de responsabilidade, que o leva a pedir aos funcionários na prisão que “mantenham a reputação do Gramd Budapest Hotel viva e bem”. Caracterização do The Gramd Budapest Hotel Em sua vida pessoal, ele nunca se esquece de se divertir, mesmo durante sua prisão, ele ainda pede ao carregador para levar seu perfume favorito; embora pareça ser rigoroso com ZERO, ele nunca despreza esse pobre refugiado que está envolvido na guerra e, no final da história, Gustavo prefere se sacrificar para salvar o carregador, que está com ele desde o início de sua vida. O carregador moreno e magro acaba crescendo e se tornando uma geração de empreendedores, inseparável das palavras e dos ensinamentos do mestre Gustave e de seu próprio caráter, ele é honesto, bondoso e grato, apesar de ter nascido em uma vida miserável, mas nunca desiste da busca pelos sonhos, assim como pelo amor à persistência e à dedicação que fazem com que ele e Gustave alcancem o sucesso. O mundo colorido é enriquecido pelas personalidades únicas de Agatha, a sincera e atenciosa Agatha, o egoísta e sinistro Dmitri, o filho mais velho de Madame D, o assassino desumano e o escritor inteligente e astuto ……. Significado mais profundo e crítica Mesmo com a comédia e o ritmo acelerado de O Grande Hotel Budapeste dominando o filme, é fácil perceber os significados mais profundos que o diretor quis revelar. Em primeiro lugar, o filme critica o egoísmo e a hipocrisia das classes altas que fazem qualquer coisa por dinheiro. O segundo é abraçar a paz! Nas décadas de 20 e 30, a Europa Ocidental não era pacífica, ela foi a mais atingida pela guerra – o filme mostra duas vezes a situação de guerra diretamente. A primeira vez é quando o Mestre e o Discípulo viajam para o funeral da Sra. D. e quase acabam com suas vidas simplesmente porque ZERO não tem documentos decentes. Poupados de serem mortos graças ao resgate de um oficial convidado que havia cuidado deles antes, Gustav lamenta: “Nesse matadouro bárbaro, ainda restam alguns lampejos de civilização que um dia foram conhecidos como ‘humanidade’”. No entanto, a guerra mudou o padrão dos tempos, e a luz da humanidade está desaparecendo gradualmente, deixando para trás apenas as feridas trazidas pela guerra. Quando recebem a ordem de prender Gustav por “roubo e assassinato”, o mesmo oficial que os salvou do perigo anteriormente ocupa o Grand Budapest Hotel, e o tiroteio do confronto final também cobre o hotel sagrado com um véu de sangue. O estacionamento do centeio no final faz com que o final perfeito dê uma guinada para pior – a Blitz de Lutz foi combatida. Era fácil saber que o mundo seria devastado por derramamento de sangue e atrocidades por muito tempo, e rezar por uma luz humanitária tornou-se o credo do autor. No final de The Gramd Budapest Hotel, há um diálogo entre o jovem escritor e o Sr. ZERO: “É porque este é seu último elo com o mundo que se foi? Ou o mundo dele?” “Não, estou fazendo isso em homenagem a Agatha. Na verdade, acho que o mundo dele desapareceu muito antes de ele mesmo entrar nele. Mas ele manteve a ilusão com um glamour extraordinário.” Nós nos perguntamos: por que um rico empresário finalmente preferiria abrir mão de sua propriedade cara em troca do Grand Hotel, há muito tempo desbotado de sua antiga glória e em extrema degradação? O diretor usa as palavras de ZERO para mostrar que ele se preocupa com o amor de sua parceira, mas depois precisa mudar um pouco diante de sua verdadeira inspiração, Zweig. O próprio Zweig foi um escritor judeu que sofreu durante a Segunda Guerra Mundial, e seu desgosto e ódio pela perda do país que tanto amava se tornaram a dor de seus escritos. Certa vez, ele disse: “Nenhum infortúnio meu parece ter me abalado e desanimado tanto quanto a indignidade a que esta cidade foi submetida”. Da mesma forma, as pessoas representadas por Gustave e ZERO viam o majestoso hotel como um lar espiritual, repleto de vida, risos, poesia e o cheiro indelével de perfume. Mas, após a guerra, seu lar espiritual parece ter perdido toda a esperança. Pode-se dizer que o Gramd Budapest Hotel representa uma era em que o espírito de uma civilização europeia perdida parece ter … Ler mais

Depois de 23 anos, Chicken Run2 está aqui!

dezembro 26, 2023 Por maria

Assista a Chicken Run no YouCine! O YouCine é uma plataforma para os amantes do cinema explorarem o mundo do cinema com mais profundidade por meio da interação social e do compartilhamento de informações. Logotipo da sequência de Chicken Run O filme de animação Chicken Run: A New Era of Chicken Nuggets é a sequência da comédia britânica de aventura animada em stop-motion Chicken Run. A Aardman Animations era originalmente conhecida por sua animação em stop-motion de “argila”, e Chicken Run, de 2000, chegou a arrecadar US$ 225 milhões nas bilheterias mundiais, tornando-se o filme de animação em stop-motion de argila de maior bilheteria da história. No passado, a Aardman Animation também anunciou que talvez não fosse possível fazer uma sequência de suas obras clássicas de animação em stop-motion porque sua parceira “Claymation Factory” não estava mais em produção. A notícia deixou os fãs preocupados com a possibilidade de não haver uma sequência, mas parece que a Aardman Animation encontrou uma solução para o problema, que é usar CGI para resolver esse problema. Chicken Run 2: A New Era of Chicken Nuggets é uma coprodução entre a Aardman Animation e a Netflix Animation, e é uma pena que algumas das vozes clássicas em inglês de 23 anos atrás não tenham retornado, mas Chicken Run 2 ainda é uma sequência muito boa que, mais uma vez, leva os espectadores a uma alegre aventura seguindo as galinhas enquanto elas enfrentam novos dilemas. A sequência de Chicken Run 2 basicamente continua de onde seu antecessor parou. Você pode se perguntar se conseguirá entender a continuação se não tiver visto o filme anterior. A resposta é sim, pois há uma pequena recapitulação do enredo do filme anterior logo no início da história da sequência, de modo que o público pode entrar no filme em segundos, conhecendo a configuração dos personagens e a sucessão. Símbolos de uma nova era A premissa da história do enredo de Chicken Run 2 é que as galinhas que escaparam da fazenda maligna na história anterior estão vivendo felizes em uma ilha, e Ginger e Rocky estão dando as boas-vindas à sua nova filha, Molly, até que Ginger começa a perceber que os humanos estão recolhendo as galinhas da ilha e levando-as para um novo local. Isso causa grande preocupação para Ginger, que se lembra de como era a vida infernal na fazenda, por isso Ginger teme pela segurança de todos, especialmente de sua amada filha Molly. No entanto, a própria Molly é uma personagem que sempre quis sair e explorar o mundo além da ilha, portanto, quando Molly é acidentalmente levada para a fazenda, Ginger, como sua mãe, decide resgatá-la. No jogo anterior, Ginger liderou o grupo para escapar da fazenda, mas agora ela precisa liderar o grupo em uma corrida até a fazenda para salvar todas as galinhas! O design da sequência é como um indício da transformação de Ginger, “as galinhas entram ativamente no perigo em vez de fugir dele passivamente”, o que, obviamente, se torna um ponto de vista muito importante na sequência de Chicken Run 2. Porque, no passado, Ginger e as galinhas estavam tentando “fugir da dor”, enquanto na sequência, Ginger escolhe “enfrentar a dor” por Molly, e esse relacionamento entre mãe e filha se torna o foco do enredo da sequência. O relacionamento entre mãe e filha se torna o foco da trama da sequência. Acho que esse é um ótimo design para essa sequência, porque o roteirista e o diretor não apenas consertaram os personagens, mas também acrescentaram mais personagens para elaborar e discutir questões diferentes, para que o público possa sentir a novidade do enredo. Não se trata apenas de uma repetição do conteúdo do filme anterior. Além disso, a Aardman Animation é bastante inteligente, pois é óbvio que, depois de 23 anos, muitos dos fãs do Chicken Run anterior agora são pais, portanto, quando esses fãs do passado relembrarem suas memórias na sequência de Chicken Run 2, muitos deles certamente acompanharão seus filhos para assistirem juntos e, assim, Chicken Run atrairá uma “nova base de clientes”, o que é um projeto muito bom. “Esse é um projeto muito bom, porque as aventuras de Molly e a dedicação de Ginger em proteger sua filha são bem exploradas pelo diretor-escritor ao retratar a profundidade dos papéis de Ginger, Rocky e Molly na trama. Como mãe, com as preocupações e a superproteção da mãe, e como filha, com a rebeldia e a liberdade da filha, a interação entre as duas revela as linhas da história pessoal e a escavação interior das duas personagens. Drama e humor A caracterização de Ginger também é boa, com algumas cenas que remetem à história do jogo anterior, em que Ginger tenta superar seu trauma do passado e luta com seu próprio eu interior durante toda a aventura até se tornar corajosa por sua filha e não fugir como antes. É muito bom que Chicken Run 2 possa ser projetado para transformar as galinhas que escaparam da fazenda com seus pesadelos em uma fazenda novamente, pois é um desafio muito diferente e um símbolo de superação pessoal de demônios e bravura. No que diz respeito ao vilão da sequência, Chicken Run 2 ainda tem o mesmo vilão de seu antecessor, mas o diretor-roteirista retratou o vilão de uma forma mais “evoluída”, simbolizando a maldade e a esperteza da humanidade (especialmente quando o vilão inventa novos truques científicos para lidar com as galinhas que estão esperando para serem abatidas, o público ficará particularmente surpreso com o vilão criado pelos roteiristas, mas, ao mesmo tempo, refletirá sobre a crueldade da humanidade), e isso desencadeará a dificuldade e o perigo que as galinhas enfrentam ao enfrentar o desafio. dificuldade e perigo ao enfrentar o desafio. Apelo a diferentes públicos De modo geral, ainda capturando com precisão a mesma fofura e loucura de seu antecessor, Chicken Run 2 é um filme que definitivamente acerta no aspecto nostálgico, e alguns dos esquemas nefastos concebidos no próprio filme são hilários na medida certa … Ler mais

AIR, um filme sobre as origens do AJ

dezembro 25, 2023 Por maria

Assista ao filme AIR no YouCine! O YouCine tem uma enorme biblioteca de conteúdo que abrange uma grande variedade de gêneros, incluindo filmes, programas de TV, eventos esportivos, documentários, programas infantis e muito mais, permitindo que os usuários desfrutem de diferentes áreas de entretenimento a qualquer hora e em qualquer lugar. AIR é repleto da energia contagiante de seu personagem central, Sonny Vaccaro (Matt Damon), que está tentando fechar um negócio que mudará o mundo – ajudar a Nike a contratar o lendário jogador de basquete Michael Jordan. É claro que todos sabiam o final desde o início; o funcionário da Nike foi um sucesso, Michael Jordan fez jus à sua reputação de superstar e a linha de tênis Air Jordan tornou-se um dos tênis mais reconhecidos, mais vendidos e mais obsessivos de todos os tempos. AIR: Negócios que moldaram a história? Então, como contar uma história em que o público já sabe o resultado? É aí que entram os talentos sutis do diretor e astro Ben Affleck. Ele criou um sólido filme de orçamento médio para adultos que mostra exatamente o que roteiristas rigorosos, ótimos atores e trabalhadores experientes dos bastidores podem criar. AIR não é chamativo ou vistoso, não há altos e baixos na direção de seus personagens, muito menos reviravoltas inesperadas; ele conta uma história de forma honesta e autêntica, e há pouquíssimos filmes desse padrão atualmente. Se você gosta de filmes em que o processo supera o resultado e aprecia pessoas obcecadas em fazer o trabalho, ficará encantado com os muitos momentos nos escritórios lotados, nas salas de conferência deprimentes e nos laboratórios exclusivos do filme. Sonny Vaccaro, que é o chefe de marketing da Nike, está tentando colocar a empresa de pé no mundo do basquete. Na década de 1980, a Converse e a Adidas dominavam o esporte, e quase ninguém na NBA queria usar tênis Nike na quadra. Embora as contratações anteriores de Sonny não tivessem sido muito bem-sucedidas, isso não o impediu de querer mudar as coisas, e ele sempre quis encontrar aquele atleta para o qual valesse a pena dar tudo de si. Depois de assistir atentamente a imagens de jogos do novato Michael Jordan, do Chicago Bulls da NBA, na Universidade da Carolina do Norte, Sonny entendeu que Jordan era o futuro do basquete e o futuro da Nike. Embora o Sonny de hoje não pareça diferente de qualquer homem loiro comum de meia-idade, mas quando começou a agir com firmeza para atingir seus próprios objetivos, ele se tornou como o “Espião” do ano no todo-poderoso agente Jason Bourne, esse é o charme do ator, essa é a magia do filme. A fusão do basquete com a cultura da marca Ignorando o processo formal e viajando apenas para a Carolina do Norte, Sonny conhece a família de Jordan, como ele esperava, e Deloris Jordan (Viola Davis), uma mãe orgulhosa que impõe respeito, e Sonny se envolvem em um diálogo informal de intenções. Isso se deve ao fato de a própria Jordan já ter expressado publicamente sua afeição por Adidas. Deloris também não vê como assinar com a Nike seria vantajoso e, justamente quando a conversa poderia terminar sem deixar rastros, como que por providência divina, Sonny improvisa uma frase zen bastante profunda: “Um sapato é apenas um sapato, não significa nada até o dia em que alguém o usa”. A frase impressionou Deloris, que estava disposta a considerar seriamente a possibilidade de uma parceria, mas a Nike precisaria esperar na fila atrás da Adidas e da Converse pelo resultado das negociações de Jordan com elas. Essa citação é o que a AIR quer que você pense. Mas uma citação mais precisa e simples poderia ser: “Um tênis é apenas um tênis e não significa nada até que alguém o comercialize adequadamente”. AIR é mais um filme biográfico de um tênis icônico do que um filme biográfico comercial, e existe firmemente dentro dos anúncios estilizados do Air Jordan criados pela Nike ao longo dos anos e da reverência quase religiosa que bilhões de fãs de basquete em todo o mundo têm por Michael Jordan. Temas inspiradores e de busca de sonhos Phil é o tipo de empresário que assume muitos riscos, reclamando, por um lado, que é muito arriscado e que a diretoria não concorda com isso e, por outro lado, apoiando Sonny em particular para que ele possa ir em frente. Sonny e seus colegas trabalharam horas extras para reunir os pontos principais das conversas e concluíram o protótipo do importantíssimo tênis Air Jordan de 1ª geração, que todos sabiam que seria um sucesso no momento em que o vissem. Então, aquela fatídica reunião começou. Não vamos contar os detalhes da cena aqui, especialmente o monólogo de Sonny, que foi a melhor fala do ano, então deixaremos isso para vocês vivenciarem por si mesmos. Muitas vezes flertamos com discursos apaixonados em filmes que parecem resolver tudo, mas AIR se mostra essencial e perspicaz, é a personificação sincera de todas as paixões de Sonny e permite que todos na sala vejam o valor do que está por vir. AIR é uma história de coragem, sonhos e realizações que vale tudo, sobre como uma empresa potencialmente fracassada apostou alto e ganhou ainda mais; é também uma abordagem muito bem-acabada de um mito empresarial que reuniu duas entidades influentes e gerou uma subcultura, embora sua principal lição fosse apenas tênis após tênis após tênis. Mas “AIR” quer que você se lembre de que um tênis nunca é apenas um tênis, é também uma marca, uma personalidade, um símbolo, uma declaração e uma obra de arte. Se eu tivesse que dizer que há uma falha no AIR, seria o fato de os criadores enfatizarem demais a época. O ano é 1984, e é memorável não por causa de suas intermináveis montagens que marcam o tempo (Band-Aids, anúncios da Apple, Presidente Reagan, Princesa Diana) e música clássica, mas porque foi o ano em que a Nike contratou Michael Jordan. Além disso, em grande parte, o … Ler mais

Ford x Ferrari: efeitos sonoros, vida, voo!

dezembro 23, 2023 Por maria

Sinta a emoção da velocidade e da tensão de “Ford x Ferrari” para assistir no YouCine! O YouCine tem uma enorme coleção de filmes, séries de TV, documentários, programas infantis e outros conteúdos de vídeo de vários gêneros. Ford x Ferrari: A velocidade e a tensão são garantidas Ford x Ferrari O cinema sempre foi um excelente exemplo das artes audiovisuais, e o som é um dos elementos essenciais da produção cinematográfica. Ele faz muito mais do que apenas adicionar cor a um filme; pode ter um efeito profundo nas emoções, experiências e empatia do espectador. No filme Ford x Ferrari, dirigido por James Mangold, o som do motor é um elemento sonoro único e atraente que traz uma sensação de realismo e profundidade de experiência emocional para o espectador. Nesta análise, vamos nos aprofundar nos detalhes, na função e no impacto do som do motor no filme e em como ele se tornou o auge do desempenho no filme. Os sons do motor no filme não foram simplesmente gravados e reproduzidos, mas foram delicadamente reproduzidos por meio de um cuidadoso trabalho de gravação e mixagem. Os designers de som se aprofundaram nos sons do motor dos diferentes modelos de corrida para capturar o tom, a qualidade sonora e o volume exclusivos de cada carro. Esse trabalho meticuloso fez com que os sons dos motores do filme fizessem parte dos personagens, com suas próprias personalidades e características. Os sons do motor desempenham o papel de transmissor de velocidade e tensão no filme Ford x Ferrari. O público é capaz de sentir a aceleração e a desaceleração do veículo por meio do som, com cada assobio do motor representando uma onda de velocidade. Essa sensação de velocidade contribui para a atmosfera tensa das cenas de corrida, fazendo com que o público sinta a intensidade da competição e a urgência do perigo. O uso de sons de motor nas cenas de corrida do filme é ainda mais envolvente. O som do motor no filme não é apenas um efeito sonoro, mas também uma apresentação da cultura da corrida. Por meio do som, o público pode sentir o fervor e a paixão do automobilismo, bem como a obsessão dos pilotos pela velocidade e pela vitória. O som do motor se torna um símbolo, representando o valor central do automobilismo. Isso não só permite que o público entenda melhor a cultura das corridas, mas também acrescenta profundidade emocional e conotação cultural ao filme. O som do motor no filme também reflete a conexão especial entre o piloto de corrida e o carro. Nos filmes, as emoções geralmente são expressas por meio do som. O público pode ouvir os batimentos cardíacos, a respiração e o zumbido dos personagens quando eles estão nervosos por meio dos sons do motor, o que aumenta a ressonância emocional entre o público e os personagens. Durante cenas intensas de corrida, esses sons emocionais proporcionam ao público uma conexão emocional mais profunda, permitindo que ele compreenda melhor a experiência interior do personagem. Experiências extremas e perigosas da vida real？ Em Ford x Ferrari, o realismo do som dos pneus de corrida raspando na pista é impressionante. Os designers de som do filme conseguiram capturar o som dos pneus raspando contra a pista por meio de um cuidadoso trabalho de gravação e mixagem. O público pode ouvir claramente o intenso atrito entre os pneus e a pista toda vez que o carro é dirigido em alta velocidade. O tratamento meticuloso desse efeito sonoro faz com que o público sinta o perigo e o extremo do automobilismo. Cada freada, derrapagem ou curva fechada é acompanhada pelo silvo agudo do atrito dos pneus, acrescentando uma sensação de realismo às cenas de corrida do filme. A essência de um filme de corrida é a velocidade e a tensão. O atrito dos pneus de corrida desempenha o papel de um aprimorador da velocidade e da tensão no filme. O público é capaz de sentir o estado extremo do veículo em alta velocidade por meio do som, e cada desvio e curva causa um enorme impacto no som. A presença desse som aumenta a tensão das cenas de corrida no filme Ford x Ferrari, fazendo com que o público sinta a intensidade da competição e a urgência do perigo. As cenas de corrida no filme enfatizam particularmente a presença de sons de desgaste dos pneus. O público quase pode sentir o atrito entre os pneus e a pista durante todo o filme, o que acrescenta drama e profundidade emocional às cenas de perseguição em alta velocidade do filme. Cada vez que os pneus fazem um som agudo, é como se fosse o batimento cardíaco do enredo do filme, lembrando o público da intensidade da competição. Experiência emocional coletiva em estádios de corrida O som do público desempenha um papel importante no cinema, não apenas acrescentando um senso de realismo, mas também proporcionando camadas adicionais de riqueza à experiência emocional. No filme Ford x Ferrari, dirigido por James Mangold, a apresentação do som do público não só acrescenta uma sensação de presença ao local da corrida do filme, mas também aprofunda a conexão emocional entre o público e o filme. A reprodução da voz do público também traz a atmosfera da arena de corrida. As arenas de jogos geralmente são barulhentas e cheias de aplausos e cantos do público. Ao reproduzir as vozes do público, isso acrescenta realismo à arena do jogo no filme e faz com que o público sinta a atmosfera tensa e a intensidade do jogo. A criação dessa atmosfera torna as cenas da corrida no filme mais fascinantes, e o público se sente como se estivesse na cena da corrida, vivenciando a competição acirrada da corrida com os personagens. A presença da voz do público no filme não serve apenas para aumentar o senso de realidade, ela também é usada para orientação emocional. O público consegue sentir as emoções e o humor do público na arena da corrida por meio da voz do … Ler mais

Aquaman e o Reino Perdido filme no estilo chowder

dezembro 21, 2023 Por maria

A história de Aquaman e o Reino Perdido está completa. Black Manta, o arqui-inimigo do Rei Arthur do Mar, acidentalmente encontra o Tridente Negro e ganha o poder do Kodachrome. Quando o Rei Netuno vê a letalidade devastadora da Black Manta enegrecida, ele decide procurar a ajuda de seu irmão Orm. Orm, fiel à sua forma, levou Arthur a encontrar o esconderijo da Manta Negra. Os dois simplesmente bateram na porta com uma carga leve e enfrentaram as fileiras de arraias da Manta Negra com uma saída. No final, é claro, cabe aos guerreiros dos sete reinos no fundo do mar vir em seu socorro. No meio de tudo isso, há também o drama adicional do filho do Rei do Mar, Arthur Jr., que está sendo roubado, também porque somente o sangue real pode abrir a antiga maldição. O resultado, é claro, é que o Rei dos Mares obtém a vitória final e recupera sua mãe, esposa e filho, além de seu irmão, que já se submeteu a ele. Assista a Aquaman e o Reino Perdido no YouCine! O YouCine é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo on-line que oferece aos espectadores uma ampla variedade de filmes e programas de TV para aprimorar a experiência de entretenimento do usuário. Como é o enredo de Aquaman e o Reino Perdido? Aquaman e o Reino Perdido parece tropeçar e cair, leste e oeste, em termos de enredo. A história se concentra na dupla identidade do Rei Netuno como pai e rei, tentando se aprofundar em seu complexo relacionamento entre os dois. No entanto, o filme não consegue equilibrar com sucesso o conflito entre essas duas identidades, o que faz com que todo o enredo pareça oscilar sem uma direção clara. Não tenha medo de que o grupo principal seja prejudicado de alguma forma! O filme inteiro é simplesmente incrível e sem cérebro! Isso também faz com que o vilão seja a maior falha do filme. O vilão, Black Manta, não tem nenhum carisma e é apenas um vilão puro! Ele quer destruir o universo inteiro por seus próprios desejos egoístas! Não há nenhuma parte humana nele! Mas, de forma bizarra, ele atura o Dr. Shen, de Randal Park, várias vezes. Quando o Dr. Shen inadvertidamente espiona seu segredo, ele simplesmente fecha a porta de seu quarto com frieza! O Dr. Shen descobre o segredo do Tridente Negro e ele o coloca contra a parede, falando algo sobre como eu devo ver sangue quando embainho minha lâmina, mas no final é apenas um pouco de sangue da ponta da lâmina! O Dr. Shen sabe tantos segredos, mas quer sair da base, ele apenas ameaça o Dr. Shen dizendo que lá fora é mais perigoso! O Dr. Shen esconde o pequeno Arthur, que consegue controlar sua raiva e não acabar com a vida do Dr. Shen imediatamente! Embora o filme Aquaman e o Reino Perdido tente apresentar o conflito entre linhagem e raça, ele não consegue integrar organicamente esse tema à crise central que o filme se propõe a abordar inicialmente. Essa narrativa fragmentada torna difícil para o público entender a lógica interna da história, e o enredo parece solto e sem camadas. O conflito entre linhagem e raça, embora seja um tema potencialmente rico, não é totalmente explorado no filme, fazendo com que o público se sinta perdido no foco geral da história. Black Manta: o embaraço da persona do vilão A persona de Black Manta no filme Aquaman e o Reino Perdido tornou-se um ponto de grande debate. Embora seja retratado como um vilão poderoso, na verdade ele se mostra excessivamente instrumental. O vilão tem grandes ambições de destruir o mundo, o que se tornou um problema comum em filmes de super-heróis, deixando o personagem em uma rotina estereotipada que carece de profundidade e ressonância emocional. O tratamento ambíguo do relacionamento fraternal Outra linha principal do filme Aquaman e o Reino Perdido é a relação entre o Rei do Mar e seu irmão. Embora o público espere um desentendimento entre os irmãos com relação à posição deles em relação à terra e ao mar, o filme imita o estilo de escrita de irmão “baseado em martelo” de outros filmes de super-heróis, o que é confuso. A história é excessivamente clichê e a reconciliação final parece uma extensão desnecessária da trama. Complexidade e falta de linha de história A maneira como o filme Aquaman e o Reino Perdido lida com a história principal parece complexa e confusa. Em comparação com o primeiro filme, o segundo acrescenta muito, mas não consegue dar continuidade ao enredo do primeiro filme. A falta de um enredo intuitivo dificulta a empatia do espectador com o filme, e a aparência geral do filme se assemelha a uma redação com contagem de palavras, com conteúdo independente que não se encaixa no tema. Confusão na caracterização Para retratar os personagens principais como absolutamente positivos, o tratamento dado pelo filme à Black Manta e ao Sea King parece contraditório e confuso. Não importa o quanto a Manta Negra seja má, o Rei do Mar sempre mantém sua compaixão e intenção de salvá-la, o que faz com que o comportamento dos personagens não seja racional. Esse tratamento pode ter a intenção de criar uma imagem nobre do protagonista, mas faz com que a lógica do enredo pareça exagerada. O declínio do filme super britânico O declínio do filme de super-heróis como gênero é evidente há muito tempo, com o trabalho de gigantes como DC e Marvel sendo questionado pelo público. Aquaman e o Reino Perdido, um IP autônomo, não ficou imune a essa tendência. As expectativas do público em relação aos filmes de super-heróis parecem estar diminuindo, e

Filme de suspense: Don’t Get Out é mediano, mas vale a pena assistir

dezembro 20, 2023 Por maria

“Don’t Get Out” é um filme alemão importado Portanto, mesmo que a data de lançamento do filme tenha um ano e meio de diferença em relação à data de lançamento na Alemanha, a grande maioria dos espectadores provavelmente não sabia muito sobre o filme antes de entrar no cinema, e provavelmente não sabia muito sobre o diretor do filme e os atores principais. cego”. Para um filme que foca no suspense, isso pode ser uma coisa boa: pode pelo menos acrescentar algum mistério. Onde posso assistir filmes de suspense? Baixe o Youcine apk e assista a filmes de suspense de vários países. O sistema vem com 3 idiomas diferentes, que você pode alternar livremente. Desfrute de um filme de qualidade com sua família. “Get Out” é um remake do filme O remake é o filme de suspense espanhol “Blow Up the Bank Manager”. Falando nisso, o cinema espanhol alcançou grandes conquistas no campo do suspense nos últimos anos, introduzindo sucessivamente filmes nacionais como “O Hóspede Invisível”, “A Miragem” e “O Fim do Túnel”, todos eles receberam boas críticas do público. O filme “Blow Up the Bank Manager” que não foi apresentado era um filme “antigo” de 2015. Perdeu a onda de bônus de introdução a partir de 2017, que barateou o remake de “Don’t Get Out”. Objetivamente falando, em comparação com os filmes “O Convidado Invisível”, o roteiro de “Blow Up the Bank Manager”/”Escape” é realmente inferior. No entanto, um camelo magro é maior que um cavalo, e “Quick Escape” fez seu trabalho de contar a história de forma completa e clara. As voltas e reviravoltas que deveriam ser esperadas e a bagagem que deveria ser abalada não foram retiradas. É digno dos espectadores que assistiram “Blow Up the Bank Manager” “reverenciar” e “encontrar as diferenças”. É também digno do suspense que não foi visto em nenhuma das versões. Os amantes do cinema vão experimentar a atmosfera emocionante. Embora seja um remake, “Escape” basicamente não fez grandes mudanças no filme original. O ritmo narrativo e os nós da trama são exatamente os mesmos, e a linguagem da lente está ainda mais próxima de uma réplica. O ajuste mais importante do filme é mudar a ocupação do protagonista masculino em “Blow Up the Bank Manager” de gerente de banco para empresário da construção. Quando “Blow Up the Bank Manager” foi filmado e lançado Passaram sete anos desde a eclosão da crise financeira global em 2008, mas a economia espanhola ainda não recuperou totalmente. A alcunha “PIGS” (Portugal, Itália, Grécia, Espanha) ainda aparece nos jornais de vez em quando. O filme se passa como um gerente de banco que se depara com uma ameaça de bomba, o que é um tanto irônico e vingativo. Quanto ao sistema financeiro da Alemanha, não foi seriamente afectado pela crise financeira global. Seria um pouco cruel criticar os gestores dos bancos e não suscitaria a ressonância emocional do público nacional. “Get Out” “trata” o protagonista masculino com gentileza, minimizando a vergonhosa história negativa na carreira do personagem, e também torna a atmosfera familiar do protagonista masculino mais harmoniosa do que em “Blow Up the Bank Manager” – pelo menos na superfície. Comparando os inícios de “Corra” e “Explodir o Gerente do Banco”, é possível perceber com mais clareza a intenção de reescrita do roteirista (ambos os filmes foram escritos pelo italiano Alberto Marini). “Blow Up the Bank Manager” começa com o gerente do banco Carlos tomando um café da manhã casual e rotineiro na sala como início da narrativa. Alguns minutos de filmagem e diálogo Complete a explicação das relações familiares dos personagens e também dê uma dica aos leitores de que essa família aparentemente harmoniosa de quatro pessoas, na verdade, não é tão próxima quanto parece. Portanto, quando o protagonista se depara com uma crise de bomba e descobre que também está enfrentando uma crise familiar, o público como espectador não só não ficará surpreso, mas até sentirá uma sensação de tristeza pelo protagonista. “Escape” adicionou uma cena de cabana que parece não ter nada a ver com a trama principal como cena de abertura do filme. O protagonista Carl está ansioso para voltar para casa para comemorar seu aniversário de casamento com sua esposa, mas fica completamente indiferente aos avanços de uma estranha passageira que encontra. O filme faz do protagonista um “mocinho” no sentido da percepção do público: ele negligencia a família porque está ocupado com sua carreira e desconhece a potencial crise em sua família. Essas pessoas de meia-idade estão em toda parte na vida Portanto, a crise da bomba e a crise familiar que ele encontrou foram um desastre completamente inocente, em vez de uma “retribuição” tardia causada pelo seu “pecado original” no trabalho. “Quick Escape” utiliza tal tratamento para evitar a confusão do público sobre a identidade moral do protagonista, mas o custo é enfraquecer o drama e a complexidade da trama, que pode ser considerada como tendo ganhos e perdas.

PLUTO está programado para ser o melhor anime de 2023

dezembro 13, 2023 Por maria

Se for para escolher entre o fim da humanidade e o fim do ódio, todos provavelmente escolheriam o segundo. Como assistir PLUTO, um dos melhores animes do ano? Assista aos destaques no YouCine. O youCine tem uma enorme coleção de filmes, programas de TV, documentários, programas infantis e vários outros tipos de conteúdo de vídeo. O que é PLUTO? Mas observando a evolução da sociedade humana, incluindo o atual conflito palestino-israelense, parece que a humanidade está se aproximando do fim. The End of History and the Last Man (O Fim da História e o Último Homem), a aclamada obra de Francis Fukuyama, explora a questão de se a liberdade e a igualdade satisfarão a humanidade no “fim da história” ou se ela retornará inevitavelmente ao caos, e o que é mostrado em PLUTO pode ser um indício do apogeu e do fim da era humana. Provavelmente não é coincidência o fato de o novo anime de PLUTO não ser apenas relevante para a atual era da IA, mas também soar como um alerta do deserto do futuro. Urasawa é bem versado em psicologia e criminologia, e muitas vezes trabalha com elementos de suspense dedutivo e psicanálise, e sempre foi conhecido por seu suspense, com obras-primas como Monster, 21st Century Boys e Billy Bat Billy Bat, e também é conhecido por sua incapacidade de encerrar as coisas (risos), assim como agora, eu ainda não sei quem é o vilão de 21st Century Boys, ou quem são os amigos. A arte de PLUTO também está claramente mapeando a guerra do Iraque naquela época, os quadrinhos não têm um ritmo muito rápido e o enredo não é complicado, portanto, leia os quadrinhos se quiser conhecer o assassino e o final o mais rápido possível. Além disso, as pessoas que estão fartas de insinuações políticas ou de questões morais complexas são aconselhadas a não ler o livro, pois os tópicos abordados nele podem ser trazidos de forma muito simplificada, mas Urasawa-sensei tem seus motivos para interpretá-lo dessa forma. Como ele acredita, a maioria dos mangás desenhados por Osamu Tezuka pertence a crianças e adolescentes, mas, na verdade, há um enorme lado sombrio por trás deles, ou tristeza, incluindo o “pai de Doraemon” – Fujiko F. Fujio experimentou a crueldade da guerra, eles têm uma queixa sobre a guerra no conto de fadas. Os robôs podem odiar? O ódio é um grande motivador que leva as pessoas a cometer erros, mas será que os robôs farão o mesmo? O autor acredita claramente que isso provavelmente acontecerá quando os robôs continuarem se aproximando dos humanos. A dor é causada pelo ódio, pela manipulação de guerras por egoísmo, causando ódio e depois destruição. O que é especial é que os robôs aqui se tornam a parte mais complexa dos seres humanos, os “portadores de emoções”. Supõe-se que os robôs sejam completamente racionais, incapazes de mentir e desprovidos de emoções, mas como esses robôs avançados têm uma IA quase humana, amor pelas montanhas, amor pela família, um alto grau de empatia etc., eles de alguma forma se tornam seres humanos… Mas como esses robôs avançados têm uma IA muito próxima da humanidade, amor pelas montanhas, amor pela família, alto grau de empatia, etc., eles de alguma forma se tornaram o ideal do coração das pessoas, mas não podem se tornar. Em comparação com os robôs, os seres humanos ainda representam o lado selvagem da humanidade, e os humanos são a fonte de suas próprias tragédias, incluindo discriminação contra robôs, ódio, sequestro, exploração, intrigas políticas e, finalmente, por sua vez, sendo explorados pela IA. O primeiro choque de PLUTO ocorre quando o protagonista, Gaget, se lembra de que matou alguém, e outro quando Gaget revela que tem outro filho e que ele foi abusado por humanos. A combinação de robôs racionais e humanos bárbaros significa que os humanos pegam máquinas altamente humanizadas e as usam de forma odiosa (robôs que matam) e puxam os robôs para o lado do ódio (robôs que matam humanos com raiva), como no famoso jogo Heavy Duty, em que Noah. A IA mais poderosa, finalmente conclui que os humanos são a causa principal do perigo para a vida na Terra, e em Attack on Titan, em que Tron Isayama faz a mesma coisa. Tron Isayama, em Attack on Titan, também desenvolve a questão das “correntes de ódio”. Sacrifício Como os robôs são dotados de uma missão e racionalidade, eles devem arcar com a maioria das consequências negativas para a humanidade, incluindo guerras, assassinatos e o sacrifício de seus próprios corpos para proteção. Além disso, como essas inteligências artificiais são bastante humanas, elas também nascem com um senso de parceria umas com as outras (Browder vinga Montbrow, Hércules vinga Browder novamente) e são diretamente desafiadas pelo Rei do Submundo. É claro que isso também inclui a revelação da verdadeira identidade de Plutão no final de PLUTO, quando ele decide se unir ao Homem Atômico, sacrificando-se para impedir que o Criador e outro robô gigante, Bora, destruam a Terra. O mais triste em PLUTO é que a verdadeira causa principal desses sacrifícios é, na verdade, a maldade da humanidade. Por exemplo, os Estados Unidos de Trakia, que é insinuado como sendo uma águia, acusa falsamente seu país de destruição em massa de robôs, quando na verdade foi para eliminar os sete robôs avançados que poderiam ameaçá-lo. Embora essa seja uma insinuação política muito elementar, não é necessário explorar a conexão com o mundo real e não é necessário explicar mais, os interesses, a segurança, as primeiras relações internacionais, não apenas as águias, mais do que os países reais que podem fazer essas coisas. AI A entrará em nossas vidas Em breve, o que virá da ficção científica de PLUTO para a vida real não será apenas a IA, mas também as questões morais relacionadas à IA e os possíveis conflitos. As Três Leis da Robótica de Asimov, que vêm sendo discutidas há muito tempo, podem de fato ser estipuladas na lei um dia e ser … Ler mais

2023 Princípio: Não Tenet entender

dezembro 11, 2023 Por maria

Por que o blockbuster de queima cerebral de Nolan, Tenet, é tão popular? Tenet, o filme narrativo de queima de cérebro dirigido por Nolan, pode ser assistido repetidamente no YouCine. Há muitos detalhes do ovo de Páscoa escondidos no filme para que todos se lembrem. YouCine apk é uma plataforma abrangente de streaming de vídeo online que oferece aos espectadores uma grande variedade de filmes e programas de TV. Brinque com a extraordinária noção do tempo Nolan sempre foi obcecado pelo “tempo”. Em “Tenet”, Nolan brincou com a viagem no tempo. Isso não é novidade e até se tornou uma piada de mau gosto, mas Nolan ainda usou isso de novas maneiras. Ao contrário da maioria das viagens no tempo, a maneira de voltar ao passado em “Tenet” é o “tempo retrógrado”. Através de uma porta giratória especial, os personagens do mundo podem mudar arbitrariamente suas direções para frente e para trás em relação ao horário mundial e então começar de a hora atual. Os pontos movem-se rio acima ao longo do eixo do tempo. A fim de racionalizar o cenário, “Tenet” introduziu o conceito físico de “contra-entropia”.Independentemente de a aplicação de “contra-entropia” no filme ser viável na realidade, o cenário de ficção científica com isso como núcleo também faz com que “viagem no tempo” pareça mais hardcore. Deve-se admitir que a configuração do “tempo retrógrado” é muito sutil. Permite que o filme mostre novos efeitos visuais. No tempo retrógrado, a mudança mais intuitiva é a reprodução reversa da imagem. A bala retorna do buraco da bala para o cano Pássaros voando de cabeça para baixo, carros andando para trás, poeira levada pelo vento voltando para o monte de cinzas e o movimento anti-horário do sistema dissipativo são experiências visuais difíceis de alcançar no mundo real. As cenas de entrelaçamento do tempo para frente e para trás são ainda mais impressionantes. Assim como a destruição de um edifício no sentido horário e anti-horário no final do filme, o edifício passou de ruínas em edifícios no sentido anti-horário e de edifício em ruínas no sentido horário. Em outras palavras, no “vácuo” onde o tempo progressivo e reverso se encontram, sempre foi uma ruína. Só é um edifício quando as pessoas o atacam. Além disso, imagens proféticas e retrospectivas são constantemente unidas, criando um labirinto de enredo cheio de prenúncios. Na inversão de causa e efeito no tempo reverso, o “fruto” torna-se um fardo que indica o rumo da trama.À medida que o tempo avança, o quadro completo é revelado através do fechamento da linha do tempo. Ao mesmo tempo, o “movimento de pinça do tempo”, uma tática de batalha espirituosa que nasceu de acordo com o cenário, também aumentou as reviravoltas da trama, e finalmente deu origem a um enredo que gira mil vezes e é extremamente queima de cérebro. O que você acha do fatalismo que oscila de um lado para o outro? O cenário da “viagem no tempo” muitas vezes envolve a relação entre o homem e o destino, levando a um pensamento mais profundo. “Tenet” menciona um conceito chamado “paradoxo do avô”: se você voltar no tempo e matar seus avós antes de seu pai nascer, você ainda existirá? Sua existência também mostra que seus avós não morreram por sua causa, então por que você os matou? Esta é uma visão de mundo muito sombria, que oblitera a iniciativa subjetiva das pessoas. Todos os esforços das pessoas serão em vão, e elas não poderão escapar do seu destino. Na engrenagem do destino, a fronteira entre resultado e causa é cancelada, causa e resultado se misturam e, juntos, coincidem com a melodia do fatalismo. E o Princípio? A resposta parece um pouco vaga e cheia de contradições. A trama intermediária é propensa ao “fatalismo”, quando o elemento plutônio foi arrebatado pelo vilão Sartre, o protagonista masculino se recusou a aceitá-lo e voltou atrás para tentar mudar o desfecho, mas falhou novamente. Se ele não tivesse dirigido aquele carro prateado naquela época, o plano de Sartre não teria dado certo, o que corresponde a outra frase do filme: “O que aconteceu, certamente acontecerá”. Portanto, o protagonista masculino levantou a questão “E o livre arbítrio? (Ainda tenho livre arbítrio)”. Os esforços de resistência e mudança tornaram-se a última peça do puzzle do destino, reparando constantemente o ciclo fechado do tempo. Aqui, Nolan parece ter dado a sua própria resposta ao “paradoxo do avô”: o passado não pode ser mudado. Em “Princípio” Cada “movimento de fixação de tempo” dura 10 minutos. Durante esses 10 minutos, o passado e o futuro interagem entre si e levam conjuntamente aos resultados presentes. O “agora” atual é o campo onde competem pela agência. O que exatamente significa “credo”? Talvez seja a insistência na manutenção da teoria de causa e efeito que constitui a base da construção cognitiva humana, ou talvez seja a crença de que ainda existe um vislumbre de esperança para o livre arbítrio humano. Deste ponto de vista, a morte final de Neil é mais como um cumprimento ativo do destino baseado no livre arbítrio: para salvar o protagonista, ele usa o ciclo fechado do tempo para mudar o passado. A frase do protagonista “Eu sou o protagonista” no final do filme também implica que há espaço para iniciativa. Algumas causas e efeitos podem não ser alterados, mas a autoconsciência determina a direção da flecha do tempo. Na própria linha do tempo , “eu” é o mestre. Muitos filmes que dão respostas fatalistas costurarão completamente causa e efeito no final, mas o final de “Tenet” é obviamente uma abertura. Após uma série de ações do protagonista e de Neil, eles ainda levarão a um futuro inabalável? Baixar Youcine apk. Se a flecha do tempo está avançando em direção a um novo futuro ou se cairá novamente em uma reencarnação sem fim como uma cobra mordendo o rabo, o filme não dá uma resposta clara. Ou talvez Nolan não queira dar a resposta. Atualize o senso de jogo de lutar contra monstros Desde o … Ler mais

Série de filmes: “Amor, morte e robôs”: a verdadeira natureza humana

dezembro 7, 2023 Por maria

Posso assistir séries de filmes no Youcine? Assista a série Amor, morte e robôs drama americano baixe YouCine! Você pode desfrutar de um banquete visual, da morte física à morte através das dimensões do tempo e do espaço, com efeitos audiovisuais chocantes! Qual é o elemento vago de “amor”? Amor, morte e robôs extrai a única palavra-chave que permeia a terceira temporada das três palavras-chave “amor”, “morte” e “robô”, e essa deve ser morte. Desde o primeiro episódio “Três Robôs: Estratégia de Saída” até o nono episódio “Jibaro”. A morte é uma constante ao longo de cada episódio. Da morte física e imortalidade espiritual como “Pulse of the Machine” até grandes como a grande explosão da terra em “Mini Night of the Dead”, a morte através das dimensões do tempo e do espaço ocorre ao longo da temporada. Mas correspondente a isso está a falta do elemento “amor”. Como definir “amor” na terceira temporada de Amor, morte e robôs está em debate. Talvez o protagonista masculino que faz o papel de “Deus” no segundo episódio “Bad Trip” troque a vida de um barco cheio de gente pela vida de todos na ilha seja uma espécie de amor heróico. Talvez a reconciliação entre o fazendeiro e os animais no final do episódio 7, “Mason’s Rats”, seja um “amor” inter-racial. Mas quando o público infere o enredo em si, pode ser difícil incluir esse “amor” no âmbito do pensamento. Seja “Bad Trip” ou “Mason’s Mouse”, comparada à expressão do amor, a trama apresenta ao público mais um conflito “da cor de Deus” entre raça e civilização. Enquanto isso, o elemento “amor” da 3ª temporada de Amor, morte e robôs dá lugar mais à ironia. Estas sátiras centram-se mais no carácter do próprio ser humano e nos enormes custos causados pela adoração cega da tecnologia. A dimensão espaço-temporal da morte No episódio “Mason’s Rats”, os humanos se descrevem como criadores, decidindo se os ratos vivem ou morrem. Mas isto não é uma sátira à agressão das civilizações avançadas contra as civilizações atrasadas na vida real. Além disso, seja a breve relação romântica no sexto episódio “The Swarm” serve ao diálogo filosófico final. Ou a imaginação amorosa de curta duração no nono episódio “Jibaro” reflete a enorme ganância da humanidade. A adição desses elementos de amor constitui uma enorme ironia do ser humano de forma mais antagônica, e também é engolida pelo forte contraste provocado pela morte no final. A popularidade da primeira parte de Amor, morte e robôs reside na distribuição razoável dos ingredientes da morte e do amor, bem como na nova estrutura construída por trás dela, tendo as máquinas como transportadoras. No entanto, a amplificação excessiva do elemento morte no terceiro filme também obscurece, até certo ponto, o amor que pode ser expresso por trás dele. Talvez o tema misterioso e tabu da morte possa trazer mais pensamentos e insights, mas o público também espera capturar as moléculas do amor no bombardeio da “morte”, e é por isso que Amor Morte é caloroso e fascinante. Da morte pessoal e da imortalidade espiritual ao fim do mundo e à explosão da terra, toda a temporada mostra o final de diferentes dimensões, aparentemente tentando mostrar ao público de diferentes dimensões aqueles futuros que muitas vezes são imaginados, mas podem se tornar realidade. Mas na terceira temporada de Amor, morte e robôs, ao mesmo tempo que exagera loucamente o pessimismo que leva à destruição, também expressa que no longo universo e na galáxia, a explosão da terra é tão insignificante quanto um peido. Afinal, permite ao público ver que entre todas as coisas, o universo, a galáxia, o céu e a terra, a morte de um indivíduo é apenas uma “gota no oceano”. Amor, morte e robôs desta temporada parece contar uma história sobre o equilíbrio entre a vida e a morte. Na longa luta entre a auto-resistência e a morte, as pessoas atiram um martelo pesado na morte, quebrando as algemas do medo da morte e do despertar. pessoas.A exploração sem fim da própria morte nas profundezas da alma. A intervenção da ciência e da tecnologia não só quebra as misteriosas ilusões das pessoas sobre a morte, mas também reescreve o discurso de oposição entre os humanos que dominam a tecnologia e a própria natureza. Essa expressão também pode ser vista na terceira temporada de Love to Death. Expressões opostas de discurso Por trás da apresentação exagerada e sangrenta, podemos perceber as diversas reflexões sobre o desenvolvimento do ser humano na terceira temporada. Tal reflexão centra-se na expressão de discursos opostos como tecnologia e teologia, ser humano e natureza, conquista e resistência. Se “Jibaro” é sobre a colisão entre o homem, a natureza e a civilização, então “Tunnel Tomb” deve reflectir a proliferação da tecnologia e a oposição da teologia. A apresentação mitológica no estilo Cthulhu de “Túmulo do Túnel” e as palavras ensurdecedoras da heroína “Deus está morto” refletem mais uma vez o pensamento sobre teologia e tecnologia, e este é também o resultado inevitável do uso da tecnologia pelos seres humanos para explorar áreas desconhecidas. oposição. Amor, morte e robôs são, em última análise, seres humanos Os mitos são frequentemente usados pelos antigos para explicar coisas desconhecidas, e quando os humanos com tecnologia puderem finalmente explorar e explicar os próprios mitos, terão-se colocado numa posição melhor? Mas no final, a heroína corta os olhos e as orelhas, o que mostra que no reino desconhecido e misterioso ainda existem áreas onde a tecnologia ainda é difícil de resistir. “Mini Night of the Dead” usa mudanças de câmera extremamente rápidas para interpretar todo o processo, desde a eclosão de zumbis até a explosão da terra. Quando as armas nucleares são usadas como a última arma para eliminar zumbis e destruir toda a terra, a terra- eventos devastadores dos seres humanos são apenas um evento milagroso no universo. “Um peido alto”. Hoje, quando a tecnologia se espalha por todos os campos, é também necessário reflectir sobre se a tecnologia irá retroalimentar o desenvolvimento … Ler mais