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O Balled de Songbrids e Snakes: Quem sobreviverá?

novembro 20, 2023 Por maria

O Balled de Songbrids e Snakes não só tem a “Miracle War Song” tocando em loop, trazendo as pessoas para o filme em um segundo, mas também tem o vídeo de saudação do astro Tom Bryce e do diretor Francis Lawrence, o que acrescenta uma sensação mais cerimonial e imersiva de diversão para o público! Além disso, o filme também lançou um conjunto de pôsteres temáticos de “The Birth of the Devil” hoje, o poder inflado para atrair passo a passo, o mentor e o tributo ao fim do que acontecerá? Baixe o YouCIne para assistir a O Balled de Songbrids e Snakes! Se você gosta de ação emocionante, romance comovente ou suspense, o YouCine tem algo para você esperando para ser descoberto. Começando um jogo de desespero juntos O Balled de Songbrids e Snakes” teve sua estreia na China em Pequim e Nanjing, onde muitos fãs da mídia e do cinema vieram testemunhar antecipadamente a implacável e assassina “Journey of the Devil’s Birth”. Além disso, houve muitos destaques no evento, especialmente quando o público entrou no cinema, a música tema do filme cantada por Olivia Rodrigo, uma voz feminina popular da Geração Z da América do Norte, foi tocada na sala de cinema, e sua voz delicada combinada com as músicas grandiosas e atmosféricas fez com que as pessoas entrassem no filme em um segundo! Antes da exibição oficial do filme, um vídeo exclusivo de saudação de Tom Bryce, que interpreta Coriolanus Snow, e Francis Lawrence, o diretor do filme, também foi exibido. No vídeo, a dupla não apenas expressou suas sinceras saudações ao primeiro grupo de espectadores chineses que entraram no cinema. O Balled de Songbrids e Snakes é um filme totalmente novo, com um conjunto diferente de regras e uma experiência de vida e morte mais intensa. Em particular, o relacionamento dos personagens adicionou um novo ponto de vista, como disse o diretor Francis Lawrence: “Desta vez, a dificuldade do jogo cruel foi aprimorada novamente, e o mentor e os tributos se tornaram parceiros de vida e morte cujos destinos dependem um do outro”. Além disso, a dupla também desejou a todos uma boa exibição no final do vídeo e esperava que o público doméstico adorasse esse trabalho. O jogo da natureza humana atrai ressonância, a fuga emocionante faz com que todo o público cubra o rosto em choque A estreia doméstica do filme “O Balled de Songbrids e Snakes” teve uma resposta calorosa, a configuração brutal da fuga da morte, equipada com novas regras do jogo, fez com que o público ficasse imerso nele, e a sensação direta de frieza colheu os elogios da plateia: “Esse filme realmente atende à minha prequela da imaginação. Especialmente o cenário de ‘Battle Royale’, as regras levemente jovens, mas brutais, são muito próximas do filme original, o que me dá a sensação mais intuitiva de ser legal!” Entre eles, o personagem principal, Snow, de coração puro, tentando usar o poder pessoal para lutar contra as regras da competição do menino, gradualmente degenerou aos olhos de todos o papel de “demônio” assassino, que também se tornou um dos principais destaques do filme. e o carisma do personagem em transformação é colhido no local pelos fãs da confissão pública: “da aparência à atuação é muito impressionante, o tipo de desesperança no personagem é muito colorido, a mudança psicológica no personagem é muito forte. Muito colorido, dentro do tipo de desespero, mas no desejo de cair nas mudanças psicológicas, na vontade de comer muito bem tratado, veja o crescimento do tirano juvenil!” Além disso, assim como muitos jovens são forçados a sair de seu ambiente familiar de crescimento e lutar por um futuro melhor no local de trabalho, o enredo do filme, no qual os tributos de vários distritos enfrentam o destino cruel de morrer na arena, também despertou a empatia do público: “Todo o ‘jogo de sobrevivência’ foi projetado como se estivesse representando minha vida! O design parece estar representando a minha vida.” Ao mesmo tempo, a expressão e a apresentação do filme sobre a natureza humana e o bem e o mal mais uma vez inspiraram o público a pensar, e eles não puderam deixar de suspirar: “A exibição e a representação do coração humano em cada etapa do filme são muito reais, e as imagens retratadas são de carne e osso e muito tridimensionais, e esse tipo de expressão do jogo do bem e do mal da natureza humana é muito profundo.” O Balled de Songbrids e Snakes: Os pensamentos da fera se transformam e mudam em um instante Quando a buzina soa na arena, os nervos de todos os jogadores dos “Jogos Vorazes” ficam altamente tensos, e ninguém pode ser poupado nessa luta brutal em que a natureza humana é borrada e até apagada! Como o criador dos Jogos Vorazes, Dr. Goyle (Viola Davis) pergunta a Coriolanus Snow (Tom Bryce): “Qual você acha que é o objetivo dos Jogos Vorazes?” . Nesse momento, o bem-humorado Snow expressa sua forte atitude rebelde com a frase: “É para punir os distritos”. É essa bondade natural que o leva a sentir compaixão por Lucy Grey Baird (Rachel Zeigler), o tributo forçado, e a desenvolver a confiança que vem com o fato de serem parceiros na vida e na morte. “Fear of becoming the hunted makes you the hunter first” revela o estado interior de cada pessoa nesse jogo de vida e morte – em vez de ficar ansioso, é preciso atacar. A regra de “todos escapam, apenas um sobrevive” também parece prenunciar o futuro destino do par de vida e morte de Coriolanus Snow e Lucy Grey Baird. …… Após uma aliança inicial com suas próprias agendas e um conhecimento cada vez maior, eles terminarão em paz ou em um duelo brutal que os colocará um contra o outro? Como Snow, que já viu a crueldade da guerra, lidará com as escolhas da natureza humana? Melhor cena visual A imagem de um duelo furioso em uma arena desmoronada é um espetáculo … Ler mais

O Grande Hotel Budapeste: uma farsa no palco da época

novembro 18, 2023 Por maria

O Grande Hotel Budapeste é dirigido por Wes Anderson, baseado no livro The World of Yesterday, de Zweig, e apresenta uma trilha sonora alegre e divertida, um estilo distinto na tela e belas imagens, que melhoram muito a narrativa do filme e refletem a sensibilidade pessoal única do diretor. Quer assistir a O Grande Hotel Budapeste? O YouCine é o seu passaporte para o mundo do cinema, com uma ampla variedade de conteúdo para todos os gostos e interesses. O Grande Hotel Budapeste é uma narrativa em terceira pessoa de fácil compreensão que se passa entre as décadas de 1930 e 1960, durante a ascensão dos nazistas na Segunda Guerra Mundial, travada pelos fascistas alemães, italianos e japoneses. O gerente do hotel, Gustave, e o porteiro “Nothing” iniciam um drama tumultuado por causa de “um quadro”. Uso inteligente da música O uso da música define o estilo e o tom geral de O Grande Hotel Budapeste, expressando as emoções dos personagens e os pensamentos profundos do diretor sobre a história. Em primeiro lugar, quando Nothing corre para embarcar no teleférico e o teleférico começa a acelerar, a melodia entra como uma música sem som, prenunciando que algo ruim está prestes a acontecer e criando uma atmosfera tensa no filme. Em segundo lugar, quando No e Gustave roubam o quadro de valor inestimável The Apple Boys, a música é cômica e espirituosa, fazendo-os rir enquanto estão tensos com o quadro e sugerindo metaforicamente que o quadro também lhes causará tédio e dificuldades. Ao mesmo tempo, a música pode ser usada para a narrativa. Os prisioneiros fazem um esforço conjunto para cavar um buraco no chão para escapar, os efeitos sonoros da escavação e o volume dos efeitos sonoros da pedra de amolar ficam mais altos. Nesse momento, o silêncio da cela gradualmente se aproxima e se distancia dos passos do inspetor, para que o público tenha a sensação de tensão com o enredo principal mencionado na garganta e, em seguida, os passos gradualmente se distanciam, mas também o plano de fuga perigoso e tenso adiciona cores cômicas e engraçadas, de modo que o filme naturalmente capta as emoções do público. A trilha sonora do filme é como o coração do povo europeu, é um símbolo da cultura clássica europeia e, ao mesmo tempo, reflete o clima da época, quando a Europa Ocidental entrou em guerra e muitos europeus depositaram suas esperanças na música. Composição simétrica de O Grande Hotel Budapeste O diretor usa muitas composições simétricas no filme, que têm um certo efeito estético e trazem uma sensação de beleza visual para o público. O exterior e o interior do Grande Hotel Budapeste são construídos de forma a criar um mundo de sonhos próspero para o espectador, com a arquitetura clássica e refinada do século XIX. O filme O Grande Hotel Budapeste faz pleno uso da composição simétrica equilibrada e estável, de modo a mostrar toda a imagem do Grand Budapest Hotel, enriquecendo a beleza da imagem e aparentando ser opulento com um senso de época, assim como o ambiente interno e os estilos decorativos do Grand Budapest Hotel são demonstrados ao máximo, desde a colocação dos objetos, corrimãos, claraboias e grades para enfatizar novamente a simetria da estética, que reflete o céu florido da sociedade europeia da época e a beleza do hotel. O grande hotel de Budapeste foi projetado para ser o céu florido da sociedade europeia da época. A forma de O Grande Hotel Budapeste destaca a sensação de desolação, já que o Grande Hotel Budapeste caiu gradualmente em desuso devido à destruição da época e da guerra, refletindo a corrosão da cultura europeia tradicional pela guerra. Ecoando a história da queda da Europa e o cenário do mundo europeu naquela época, da prosperidade à derrota, ele leva todos a um mundo espiritual perdido. O uso da cor em O Grande Hotel Budapeste O diretor de O Grande Hotel Budapeste usa as cores de uma maneira única, com simplicidade, uma forte racionalidade humanística e uma sensação histórica vintage que transporta imediatamente o espectador para a falsa paz e tranquilidade da era pré-Segunda Guerra Mundial. No início do filme, o autor sai de férias para o Grand Budapest Hotel, que era famoso antes da Segunda Guerra Mundial, e aprende sobre a história do hotel. Ao mostrar o hotel e o ambiente e os prédios ao redor antes da Segunda Guerra Mundial como um todo, o tom é rosa, como o céu, a fachada do hotel, as árvores …… Essas cenas que só podem aparecer em contos de fadas estão todas encharcadas na imagem, com a doce fantasia do rosa e a escuridão da guerra formando um forte contraste, e do lado de mais Isso reflete a dureza da guerra e a condenação subjetiva do diretor à guerra, o que se encaixa no tom humanista do filme, que se preocupa com a luta contra a guerra. Após a entrada injusta de Gustave no centro de detenção, as cores em O Grande Hotel Budapeste tornam-se cinza e preto, e a decoração do cenário em tons frios cria uma atmosfera sombria e triste, mostrando nitidamente a frieza e a crueldade da prisão. O Grande Hotel Budapeste é um longa-metragem apresentado como uma comédia, contando cinco histórias do ponto de vista de Mustafa, expressando pensamentos profundos sobre a guerra e a natureza humana, bem como as opiniões do diretor sobre o declínio da cultura clássica e a mudança dos tempos. O Grand Budapest Hotel também equivale a um pequeno microcosmo da sociedade europeia daquela época. Todos os pequenos personagens retratados pelo diretor no filme são firmes no cenário da guerra e irradiam a luz da humanidade. Como Gustave disse: “Em um matadouro bárbaro, ainda há um vislumbre de civilização, e isso é humanidade”.

A maior atração de “Trem-Bala” é que Brad Pitt tem quase 60 anos e ainda está muito bonito.

novembro 16, 2023 Por maria

Sete assassinos em uma só peça “Bullet Train” conta a história de sete assassinos com habilidades especiais que realizam uma batalha real em um trem de alta velocidade no Japão. Ossos e tendões quebrados, golpes com facas e machados, tiros na cabeça, bombas destroçaram o corpo e, mesmo no final, dois trens de alta velocidade colidiram e descarrilaram, varrendo as áreas residenciais de Kyoto, no Japão – o nível de derramamento de sangue e a violência foi ainda pior do que em “Agente do Rei”. A “Assassinato de Centenas de Pessoas na Igreja” foi ainda pior. Mas se tivesse apenas sangue e violência, “Trem-bala” seria medíocre. Afinal, o mais indispensável no cinema de hoje são essas coisas que estimulam a adrenalina do público. Onde posso assistir Trem-bala? Baixar youcine apk. David Leitch, um ex-dublê (ele fez 2 dublês de ação para Jean-Claude Van Damme e 5 vezes para Brad Pitt), é um homem que sabe como colocar cenas de ação em ação. A filmagem é mais linda e mais realista ao mesmo tempo.O segredo é um diretor que consiga deixar o público não enojado.Na verdade, não é fácil reunir essas qualidades em um filme de ação. Porque uma vez que a ação seja linda, ela parecerá irreal; e uma vez que seja real demais, facilmente enojará o público. Uma combinação de humor e sangue A solução de David Leitch é injetar humor entre a beleza e a realidade e combinar perfeitamente o design de ação estilizado com elementos de comédia tagarela, tornando seus filmes de ação mais emocionantes do que a maioria dos trabalhos semelhantes. Claro, isso não foi algo desenvolvido desde o início. Depois de dirigir parte das filmagens de ação de “Quick” em 2014, ele se juntou a Charlize Theron para filmar “Cold City”. Esses dois filmes de ação são muito rígidos em termos de design de ação e o estilo de luta é o mais realista possível. Especialmente em “The Cold City”, os movimentos de luta são tão frios e duros que o público experimenta uma sensação de desconforto físico porque dói tanto, como se todos os ossos e articulações pudessem ser quebrados a qualquer momento. E o protagonista tem que arrastar os ossos quebrados para continuar avançando. Isso é legal, mas também restringe o público. Mudanças apareceram em “Deadpool 2: I Love My Family” e “Fast and Furious: Special Ops”. O tipo de falas maldosas e faladoras neutralizaram em grande parte o sangue sob as lentes de David Leitch. Com vigor. As cenas violentas que você vê são extremamente sangrentas e chocantes, mas as atitudes e conversas dos personagens dizem ao público de forma ridícula e irônica que se trata apenas de um jogo, diluindo constantemente o impacto da violência. Cada um desses personagens parece feroz e implacável, mas no processo de luta real, eles sofrem muito e fazem papel de bobo. Um exemplo típico é o assassino mexicano apelidado de “Lobo Selvagem”. O filme usa uma rotina de MV em grande escala para revisar sua experiência de crescimento assassino, e seu sangue frio e crueldade também são claramente exibidos.O público que leu o filme inúmeras vezes terá dificuldade em não ansiar por ele como um personagem importante nesta cena. Mas é uma pena que esse cara tenha sido espancado até a morte assim que conheceu Brad Pitt. Pode-se dizer que este detalhe é uma parte sem importância, mas representativa do “Trem-bala”. Isso lembra ao público repetidamente que a violência e o sangue coagulado do filme são apenas um pano de fundo para fazer humor com o público. Pipoca e bons filmes Por que mostrar o sangue e a violência de uma forma virtuosa e depois usar o humor para dissipá-los? A primeira é, obviamente, a consideração do tipo de elemento. Gore e violência pertencem ao gênero de ação, enquanto o humor e a provocação são elementos do gênero comédia – a combinação dos dois é um efeito 1+1>2 para “Trem-bala”. Resumindo: assistindo a um filme, você obtém dois tipos de filmes. Misturar e enxertar gêneros cinematográficos sempre foi uma forma de os filmes atrairem o público, e isso é comum internacionalmente. Especialmente os filmes chineses dos últimos anos são particularmente bons neste tipo de operação. Por exemplo, o sucesso de bilheteria deste verão, “Caminhando na Lua”, combina ficção científica, comédia e romance em um filme. Ele enxerta elementos de comédia no gênero de ação, o que equivale a ampliar o público de um filme, tornando-o não apenas limitado aos amantes de filmes de ação do estilo durão, mas também permitindo que as pessoas do entretenimento que gostam de passar o tempo no cinema o encontrem. Encontre o conteúdo do filme que mais combina com você. Afinal, filmes de durões como a série “Bourne” e a série “John Wick” provavelmente causarão fadiga ao assistir filmes para alguns espectadores: perseguir todo o caminho, passar por obstáculos e lutar pela vida ou pela morte são muito cansativos até mesmo para respirar, não há chance. O senso de humor cínico em “Trem-bala” é uma boa maneira de aliviar esse cansaço da vida e da morte. No entanto, se você vir apenas esta camada, ainda subestimará o “Trem-bala”. Seu maior valor reside em contar ao público um fato básico que há muito tem sido ignorado: os filmes pipoca nunca foram uma pretensão de ser honesto. Acredito que muitos fãs de cinema tiveram essa experiência. Se você assistiu “Trem-Bala” sabe: quanto melhor o filme pipoca, mais ele depende da capacidade do diretor de entender o mundo. É claro que não será como os filmes de arte de Bergman, que retratam a ambigüidade e a complexidade do mundo enquanto questionam as questões da humanidade e da divindade – “Trem-bala” não é assim. Independentemente da incisão ou do ponto final, “Trem-bala” é muito simples e nos dá uma resposta clara ao absurdo deste mundo na narrativa mais estilizada. Não é profundo, mas é extremamente preciso. Voltemos ao assassino mexicano apelidado de “Lobo Selvagem” mencionado acima. O filme mostrou o crescimento sangrento desse … Ler mais

‘Up’ contempla o passado e se posiciona sobre o sol inclinado, o que era normal naquela época

novembro 15, 2023 Por maria

Todo adulto tem uma criança em seu coração, e toda criança tem um adulto ideal em seu coração. Há duas histórias no filme “Up”, uma escrita para crianças e a outra para adultos. Ambas as histórias me trouxeram lágrimas aos olhos, por amor, por sonhos, por amizade, por família, por lembranças.Vamos começar com essa história infantil, Up. ‍ O YouCine é uma plataforma de filmes atraente que oferece uma ampla gama de recursos atraentes, facilitando aos usuários assistir a todos os tipos de filmes, sejam eles clássicos ou os mais recentes sucessos de bilheteria. ‘Up’ é o mais memorável desses aborrecimentos Russell, o garoto que segue Carl até a América do Sul em Up, é adorável. Ele tem um rosto gordo, um corpo gordo e está sempre tagarelando. É assim que todas as crianças se parecem, todas as crianças esquecidas em nossas mentes. Você se lembra de seu sonho de infância? Era voar? Era ser um explorador? Foi a aparência desse garotinho gordinho? Bochechas vermelhas e uma luz justa em seus olhos. Ele sonhava em seguir Carl em suas aventuras para se tornar um Grande Explorador. Ele é gentil e pode ser amigo do colorido Big Bird e do cãozinho bobo, e realmente gosta deles e quer protegê-los. Ele foi corajoso o suficiente para entrar sozinho no covil do tigre e se sacrificar para salvar Big Bird Kevin. Mas o que mais me comoveu foi o fato de ele ser um garotinho solitário e sedento de amor, com o peito cheio de medalhas só porque não via o pai há muito tempo, e ele se esforçou tanto para conseguir a última medalha só para que o pai pudesse ir à cerimônia de entrega e testemunhar seu crescimento. Durante a noite na floresta, ele mudou repentinamente sua alegria diurna e se lembrou de contar carros e brincar com o pai, dizendo: “Pode parecer chato, mas acho que essas coisas chatas são as que mais me lembro”. “Por que eu sempre me lembro das pequenas coisas chatas. Mas é dessas pequenas coisas que sinto mais falta.” Naquela fração de segundo, as lágrimas permaneceram. O que é o amor? Amor é querer fazer pequenas coisas chatas com meu pai, porque com meu pai essas pequenas coisas chatas não são chatas, e essas pequenas coisas chatas me fazem sentir muita falta dele. Todos nós temos essa criança dentro de nós que deseja ser amada e cuidada. Dedicamos nossa vida a aventuras e não fazemos nada além de sermos vistos por quem se importa. E agora que somos adultos, mais tarde nos tornaremos a mãe ou o pai de outra pessoa. As crianças amam seus pais no sentido mais puro da palavra, e elas são nossa criança interior. A criança que antes não era totalmente amada, agora Deus está nos dando uma nova chance de amá-la e estar ao seu lado. Vamos embarcar em uma nova aventura com o Up Essa é uma história para adultos. Os primeiros dez minutos do filme Up são de arrancar lágrimas. É um conjunto rápido de cenas que mostram a infância de Carl e Ellie, e no momento em que Ellie dá a Carl o distintivo Ellie, suas vidas estão destinadas a se entrelaçar. Eles se casam, compram a casa onde se conheceram e, juntos, transformam-na na casa de seus sonhos. Juntos, eles foram assistir ao pôr do sol e se deitaram lado a lado sob a grande árvore, observando as nuvens. Eles não se esqueceram de pedir por aquele sonho de infância e economizaram dinheiro ativamente. Mas a vida sempre tem muitas surpresas, então eles tiveram que usar esse fundo de aventura várias vezes. O tempo passou em meio a trivialidades e os dois se tornaram idosos. De repente, Carl se deu conta de que o sonho de irem juntos para a América do Sul não havia sido realizado. Então ele foi comprar a passagem de avião, mas depois de comprá-la, Ellie nunca mais se levantou. O envelhecido Carl embarca em uma jornada para encontrar o sonho de sua amada. Quando ele decolou com a casa com dezenas de milhares de balões, naquele momento, acho que todos ficaram boquiabertos. Deixe-me levar nosso sonho em uma aventura, a cruz cruzada em meu peito é minha promessa de vida para você. Quero que nossa casa esteja enraizada na cachoeira do país das fadas que você mais queria visitar, e quero ajudá-lo a realizar o desejo que você tem desde criança. Carl amava Ellie profundamente, sem dúvida alguma. No entanto, o que mais fez chorar foi quando Carl finalmente estava em casa e abriu o livro de aventuras que Ellie havia deixado para ele, apenas para ver a segunda metade desse livro de aventuras. Foi quando Carl realmente entendeu que estar com ele e vivenciar os momentos mundanos da vida com ele era a mais bela aventura de Ellie nesta vida. O final do livro de aventuras diz: “Obrigado pela aventura de uma vida inteira comigo. Obrigado pela aventura de uma vida inteira, agora, vá começar uma nova aventura!” Lágrimas escorreram pelo meu rosto quando li isso. Essa é a história de amor mais comovente que li nos últimos tempos. É um filme para pessoas que ainda acreditam no amor. Acontece que, depois de ter você, não preciso mais correr riscos porque, em meio a toda essa vida de aventuras, você é o fim da linha para mim. Up” é um filme para pessoas que se amam hoje Quando foi que deixamos de acreditar no amor? Quando começamos a não acreditar em uma vida longa? Quando foi que nossa adoração por coisas materiais acabou com nossa fé no próprio amor? E alguém já pensou no que é o amor? Amor é sacrifício, amor é doação, amor é ajudar a outra pessoa a crescer mentalmente, amor é praticar a separação, uma de cada vez, porque quero ter certeza de que você colherá os benefícios da felicidade mesmo depois que eu me for. Amor é quando conheço seus sonhos e estou disposto … Ler mais

Nyad: Uma mulher acorda aos sessenta anos

novembro 14, 2023 Por maria

Nyad, classificado pelos críticos como “o filme de esportes americano mais quintessencial”, é geralmente agradável de se ver e pronto para chorar. O chamado mais típico é caracterizado pelo seguinte: o protagonista é geralmente um perdedor tradicional que tenta começar tudo de novo, não vê nenhuma esperança, mas consegue iluminar seus olhos e elevar seu coração, e finalmente vence com seu espírito de nunca desistir. Nyad é a protagonista dessa história, baseada na autobiografia de Diana Nyad “Find My Way”, na qual o caminho da nadadora de resistência superstar a leva por mares agitados. O YouCine é a melhor companhia para o seu entretenimento cinematográfico e televisivo, abrindo um mundo totalmente novo de entretenimento. O YouCine é uma plataforma de streaming empolgante que reúne conteúdo excelente de diversas plataformas, permitindo que você desfrute de uma grande variedade de filmes, séries de TV, eventos esportivos e muito mais. O filme de Nyad está atrasado, procurando deliberadamente a autobiografia para tentar ler, ler algumas páginas será deixado de lado, memórias de vida distantes são um tanto triviais, até que eu assisti ao filme, percebi que o diretor na travessia entre a façanha de quase todos os lugares intercalados com a memória visível do protagonista pisca de volta para o significado do protagonista, a única maneira de explorar o pulso espiritual e espiritual do protagonista, uma autobiografia espessa fortemente dotada do fundamento lógico do filme, o rosto de tal protagonista, todo espectador será capaz de apreciar o filme, mas o filme não é um filme. Diante de tal protagonista, todo público deve ter muitos pontos de interrogação em seu coração. A reputação de Diana Naiad, há uma década, costumava abalar o mundo: em 2 de setembro de 2013, aos 64 anos de idade, Naiad tornou-se a primeira nadadora a cruzar com sucesso o Estreito da Flórida sem depender de barreiras à prova de tubarões, lançando-se do lado cubano de Havana e nadando por 52 horas e 54 minutos sem parar em uma distância total de 166 quilômetros para desembarcar na Ilha Coral Gables em Key West, Flórida, a cidade mais ao sul dos Estados Unidos. A travessia do Estreito não é incomum, e muitas vezes há nadadores corajosos, mas o Estreito da Flórida, onde Nyad estabeleceu seu recorde, é conhecido como o “Everest dos mares”, e é difícil e perigoso. A autobiografia e a conexão com Nyad Dez anos depois, o filme de Nyad foi concluído, imortalizando a façanha na mais grandiosa das imagens. Sugeriu-se que seria melhor exibir tudo como um documentário, com a própria Diana Nyad como mestre do filme, mas o resultado foi um longa-metragem impecável. Há dez anos, embora a equipe de Ned também afirmasse ter uma ou duas dúzias de pessoas, com uma variedade de funções profissionais, faltava uma autodocumentação de alta precisão de todo o processo. No entanto, a equipe não tinha a consciência de registrar toda a viagem com alta precisão, e as imagens não eram suficientes. Além disso, ainda estava longe da era da mídia para todas as pessoas e, com exceção da cobertura ao vivo feita pelas principais organizações de TV durante a partida e a chegada, outros momentos importantes estavam ausentes. Portanto, mesmo que um documentário fosse produzido, muitos dos detalhes da história e os conflitos emocionais e os altos e baixos entre os protagonistas não poderiam ser apresentados de forma brilhante, ao passo que um filme de longa-metragem permitiria um espaço infinito para o desempenho. Diana Naiad alcançou a fama cedo, na década de 1970, quando tinha vinte e poucos anos e se divertia com suas amigas em todo o mundo. Nader é um dragão na água desde criança e sempre foi o principal membro da equipe de natação de sua escola, que tem várias cenas no filme, e o traje de natação xadrez branco e verde da jovem é tão clássico e bonito. Depois da faculdade, Nader foi apresentada à maratona de natação e ficou obcecada em reescrever os recordes humanos, o que foi basicamente a melhor parte de sua juventude. A Dra. Diana Nyad é, obviamente, uma pessoa culta, autora de quatro livros, incluindo uma autobiografia, e tem aparecido constantemente na frente de apresentadores de programas esportivos na TV por causa de sua experiência esportiva única. O filme Nyad, interpretando a primeira atriz principal feminina, Annette Bening, de acordo com o arranjo do enredo, deliberadamente um peito bordado com a marca da ABC TV “World Sports Report” do terno amarelo pendurado no cabide, o filme através de uma grande parte da linha, o público pode saber que a personagem principal esteve no local hospedando a cobertura das Olimpíadas de Sydney, que naturalmente é a glória da vida do passado, mas também deve ser a vida atual da flor da vida do dilema, afinal Afinal, seu rosto está envelhecendo, seu corpo está ficando fora de forma e os vestidinhos que ela usava naqueles anos não podem mais ser usados. A idade da velhice no filme Os chamados anos dourados são destacados no filme – 22 de agosto de 2009, aniversário de 60 anos de Diana Naiad. A ex-companheira e agora melhor amiga na vida e na morte, Bonnie Stoll, interpretada por Jodie Foster, está ao seu lado, e as duas conversam e brigam sobre as ansiedades do envelhecimento daquela época. Diana Naiad, que está “meio enterrada na terra” e afirma estar “correndo por uma rua de mão única rumo à velhice”. Vasculha os pertences da mãe depois da festa de aniversário dela e conversa com Bonnie sobre sua vida na cozinha, com um livro de poemas esfarrapado – “Você só vive uma vez”, diz ela. -“A vida só vem uma vez, selvagem e preciosa, o que você vai fazer com ela?” Naquela noite, em frente ao espelho do banheiro, Ned continua a ler o poema – “O que mais eu deveria fazer que ainda não fiz? No final, tudo morre cedo demais, não é mesmo?” Dois protagonistas excepcionais precisam ser reconhecidos aqui, com Jodie Foster sendo uma superestrela absoluta no … Ler mais

Quiz Lady: seu rosto é a melhor história já contada

novembro 13, 2023 Por maria

Com o filme Quiz Lady sendo transmitido on-line, vamos finalmente esperar pela colaboração de duas grandes atrizes asiáticas. Uma delas é Awkwafina, 35 anos, a primeira atriz asiática a receber o Globo de Ouro, e a outra é Sandra Oh, 52 anos, a primeira atriz visual asiática a receber o Globo de Ouro. O YouCine é uma plataforma de streaming de vídeo on-line diversificada, conveniente e de alta qualidade que facilita aos espectadores desfrutar de uma ampla variedade de entretenimento, seja para acompanhar uma série, assistir a um filme, assistir a um jogo esportivo ou assistir a um programa infantil com seus filhos. Como o título de Quiz Lady sugere, a história é sobre duas irmãs que não se veem há vinte anos e embarcam em uma viagem pelos Estados Unidos para pagar as dívidas da mãe e participar de um popular programa de perguntas e respostas para ganhar um prêmio. Embora a história tenha sido criticada por usar o tema tradicional de mulheres asiáticas em busca do sonho americano, as duas fortes atrizes, Sandra Oh e Okafina, tornam o filme cheio de risadas e calor humano. Em Quiz Lady, Okafina dá continuidade ao seu estilo habitual de comédia fúnebre, interpretando uma irmã Anne, uma nerd inteligente, contida e bem organizada, mas cheia de sociopatia, que faz um trabalho chato todos os dias, é transparente no local de trabalho e cujo único hobby desde a infância é assistir a programas de perguntas e respostas na TV todos os dias, na hora certa. Wu Shanzhuo, por outro lado, aceitou o desafio de interpretar uma personagem “pegadora de cavalos”, mostrando um lado sério diferente de seu trabalho anterior, interpretando a irmã Jenny, uma “vaca social” de espírito livre e mal-humorada, que está determinada a se tornar famosa e rica, mas, no final, seu trabalho não rendeu nada e ela vive em um lugar incerto. Mas, no final, ela não tem emprego, não tem lugar para morar e tem uma vida bagunçada. Quiz Lady: humor negro e sátira social No entanto, Quiz Lady não é apenas um filme de comédia pura, ele também é repleto de humor negro e frases clássicas que satirizam o estado atual da sociedade para as comunidades feminina e asiática. “Por que sou sempre um homem em suas suposições?” “Porque os homens são piores.” “Você sabe como é difícil ser uma mulher asiática neste país?” “Quando uma mulher é ruim em alguma coisa, as pessoas a odeiam; quando uma mulher é boa demais em alguma coisa, as pessoas a odeiam.” Desde sua estreia, as críticas dos espectadores sobre o filme Quiz Lady têm sido polarizadas, com alguns achando que é uma mistura de risos e lágrimas, com o humor leve dando lugar ao calor, enquanto outros desprezaram o enredo como chato e brega, com suspensão da falsidade. Mas a única coisa com a qual todos concordam é a força das atuações dos dois atores principais e a faísca criativa entre as excelentes atrizes asiáticas. Um dos aspectos mais notáveis do filme é o contraste entre Sandra Oh e sua imagem anterior, que consegue uma série de visuais extravagantes e selvagens, com tatuagens, tinturas, joias exageradas e roupas extravagantes, cheias de implausibilidade, mas sob a superfície do comportamento dramático há uma temperatura emocional delicada. Há uma cena no filme Quiz Lady em que as duas irmãs estão amontoadas em uma cama em um albergue, e Sandra Oh improvisa enfiando o pé na boca de Okafina, um gesto repentino, engraçado e íntimo que, sem dúvida, aproxima as duas irmãs. Carreira de atriz e habilidades de atuação de Sandra Oh Além de seu papel selvagem e ousado em Quiz Lady, Sandra Oh retratou inúmeras mulheres de todas as formas e tamanhos em sua carreira de quase três décadas como atriz, desde que entrou oficialmente no setor em 1994. Ela interpretou papéis femininos sérios, como médicos, professores e oficiais de inteligência do Serviço de Segurança, além de fazer malabarismos no mundo da comédia, tornando cada papel extremamente pessoal para ela. Aparência agressiva e feminilidade asiática Como coreana e asiática nascida no Canadá e radicada nos Estados Unidos, com uma família cujos pais e irmãos têm uma sólida formação acadêmica e intelectual, Sandra Oh cresceu de forma diferente, com o firme sonho de se tornar atriz, e mergulhou de cabeça na atuação como adolescente há décadas. Ao se mudar do Canadá para os Estados Unidos para se aventurar em Hollywood, a aparência não é uma vantagem, há também um histórico de identidade asiática, ela também foi fortemente desencorajada por sua família a não trabalhar no setor e, em um determinado momento, não conseguiu nem mesmo encontrar um agente. Mas para Sandra Oh, que acabou de ingressar no setor, o amor é mais importante do que qualquer outra coisa. Naquela época, ela não tinha nenhuma opção de papéis e só podia aceitar e atuar em tudo, “a menos que você tenha uma sorte extraordinária, mas mesmo assim você tem que trabalhar duro para aprender quais são as opções”. Dessa forma, dez anos de vida como drag queen continuaram a aprimorar as habilidades de atuação de Sandra Oh, e foi somente em 2005 que Sandra Oh finalmente atingiu um ponto de virada em sua carreira. Em Grey’s Anatomy, ela interpretou Cristina Yang, uma cirurgiã engraçada e de língua afiada, e com seu desempenho carismático, ela tornou a personagem popular no programa e fez com que a atriz sino-americana se tornasse um nome conhecido, sendo indicada para cinco prêmios Emmy consecutivos, quebrando o feitiço que os atores asiático-americanos carregam com sua força. No entanto, depois de dez temporadas, Sandra Oh decidiu repentinamente dar uma guinada no estilo e se despedir da personagem que tanto amava e, desde então, seus comentários espirituosos e sua amizade com Meredith Grey se tornaram lembranças persistentes no programa e no coração dos espectadores. Nos quatro anos que se seguiram à sua saída de Grey’s Anatomy, ela continuou a se aventurar como atriz, assumindo o papel principal no filme independente Female Fighting … Ler mais

Interstellar: don’t go gentle into that good night

novembro 12, 2023 Por maria

Interstellar é um filme tão inesperadamente acessível e compreensível, apesar de ser acompanhado por gigantes da física como Kip Thorne, que eu não saberia por onde começar, mesmo que quisesse escrever uma resenha de alto nível analisando o enredo. Simplificando, já era hora de a Terra dar seu último suspiro quando a NASA descobriu um buraco de minhoca perto de Saturno, que só pode ser criado pelo homem e, embora não esteja claro exatamente quem o fez, os buracos de minhoca podem encurtar drasticamente as distâncias de viagens cósmicas. O YouCine é uma plataforma de streaming de vídeo conveniente e diversificada que oferece aos usuários uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de uma experiência de visualização personalizada. Seja você um cinéfilo ou alguém que deseja assistir aos últimos programas de TV, o YouCine é uma opção que vale a pena considerar. Assim, a humanidade tinha a possibilidade de encontrar um novo lar. Três dos primeiros exploradores enviados deram sinais positivos de retorno, de modo que o grupo protagonista viajou por buracos de minhoca para encontrar esses três planetas. Depois de suas aventuras nos dois primeiros planetas, não havia combustível suficiente para a viagem de volta, então Cooper usou a gravidade do buraco negro para enviar Brand para encontrar o terceiro, enquanto ele mesmo entrava no buraco negro com a cápsula separada. Mais tarde, ao descobrir que o mundo dentro do buraco negro foi criado por seres da quinta dimensão (humanos do futuro) e que são eles que estão guiando os humanos do passado para que se salvem, Cooper compreende isso e começa a trabalhar como bibliotecário para se guiar e transmitir sinais para sua filha, acabando por resolver o quebra-cabeça da gravidade e salvar a todos. Interstellar: Veículos A nave com estrutura em forma de anel em constante rotação em Interstellar é a nave-mãe Endurance, que durante a primeira fase da missão Lazarus era o equivalente a uma estação espacial, transmitindo constantemente mensagens do outro lado do buraco de minhoca. Ela tem 12 (3 conjuntos) cápsulas, incluindo 4 motores, 4 compartimentos permanentes (como laboratórios e alojamentos de cientistas) e 4 compartimentos que transportam suprimentos de colonização que podem ser destacados da nave-mãe. Havia mais de uma nave Ranger, e os protagonistas embarcaram na Endurance a bordo da Ranger 1, a mesma que eles usam desde então. No planeta do Dr. Mann, Mann usa um estratagema para atrair os protagonistas para longe da Ranger 1, agarrando-a e forçando, sem sucesso, uma atracação com a Endurance, com a Ranger 1 sendo reembolsada. E perto do buraco negro, Cooper pegou a Ranger 2 para se catapultar para o buraco negro e conseguiu manter a Endurance em seu curso. A Lander, uma enorme nave de pouso semelhante a um transportador, usada para levar a cápsula de colonização, foi a única que Brand levou para resgatar Cooper. O gigante então alcançou o ritmo de rotação da Endurance e se acoplou a ela depois de chegar a uma relativa paralisação. Quando a Endurance passou pelo buraco negro, ela foi separada da nave-mãe junto com a Ranger 2, que usava TARS, para economizar peso e combustível para a nave-mãe.　 Buracos negros e buracos de minhoca Kip é um bom professor e consegue explicar ideias complexas muito bem. O filme Interstellar explica os buracos de minhoca de forma bastante gráfica. É a via rápida que conecta dois locais a grandes distâncias com a ajuda da dobra espacial, de modo que a viagem espacial pode ser muito mais curta, que é a parte mais crucial da missão Lazarus. Os buracos negros absorvem toda a matéria. Os protagonistas, com o combustível acabando, usam a gravidade superforte do buraco negro para se aproximar do último planeta e, se você já jogou com o aplicativo que acompanha o lançamento do filme, sabe que, a essa altura, é apenas uma questão de controlar a direção e não deixar a nave chegar muito perto do buraco negro (onde será sugada) ou sair de órbita (onde se perderá no espaço). No final, ele deve usar a força de reação criada pelo desprendimento parcial da nave para dar impulso à Endurance. Buracos negros e buracos de minhoca são dois conceitos completamente diferentes, e as pessoas não sabem nada sobre o que acontece dentro do horizonte de eventos de um buraco negro e, como não sabem nada sobre isso, os roteiristas podem, teoricamente, brincar com isso da maneira que quiserem. A chave para o Plano A é a gravidade, eu acho, que é especificamente como levar todos na Terra para um planeta colônia, e a tecnologia humana não pode chegar a esse nível agora porque não sabemos o suficiente sobre gravidade, e precisamos de todas as informações que pudermos obter sobre a singularidade no buraco negro. Isso parecia impossível para Daddy Brand, então o Plano A era uma fachada frágil no início, e o Plano B, com 500 óvulos fertilizados, era muito mais realista O que acontece em um buraco negro. Algumas fotos do rosto surpreso de Matthew em conjunto com a visão interior brilhante do buraco negro são uma indicação bastante clara da homenagem feminina do diretor a Kubrick. O que acontece aqui está além da percepção humana tridimensional, uma existência que rompe as paredes dimensionais e confunde tempo e espaço. Camadas e mais camadas de espaço-tempo aninhado não podem deixar de lembrar Inception e o filme de estreia de Nolan, Doodlebug. Parece que dobrar, girar e alterar as regras da gravidade/física são, de fato, o seu forte. Por todo esse caos, o roteiro o atribui a seres quadridimensionais – futuros humanos. São os humanos do futuro que criam o buraco de minhoca para salvar seu passado, e é o futuro Cooper que compreende isso e envia uma mensagem codificada para se guiar até a nave. O fato de nenhum dos roteiros de Kip Thorne explicar os detalhes sugere que os detalhes aqui claramente não precisam ser entendidos, só precisamos saber que é isso que está acontecendo. De acordo com a … Ler mais

Free guy:O florescimento livre de cada vida

novembro 9, 2023 Por maria

Free guy: Homem livre A história do Free guy se desenrola em “Free City”. A cidade está cheia de roubos, acidentes de carro e todos os tipos de ferimentos intencionais. Pessoas inocentes foram roubadas, atropeladas e explodidas, mas parecem ter se acostumado a esse tipo de vida – felizmente, Free City é apenas um videogame. Felizmente, “Freedom City” é apenas um videogame em que os jogadores desempenham o papel de heróis e obtêm melhorias por meio de várias missões violentas em “Freedom City”, e os objetos que são repetidamente assassinados, explodidos e sequestrados pelos heróis são apenas NPCs nesse jogo. YouCine: entretenimento ilimitado na ponta de seus dedos! O YouCine permite que você assista a filmes, programas de TV de sucesso, eventos esportivos emocionantes e uma seleção de programas infantis – tudo o que você precisa está aqui, a qualquer hora e em qualquer lugar. O YouCine é uma plataforma de entretenimento completa que você não pode perder! Heróis e NPCs são os dois tipos de personagens em Freedom City. Os primeiros são personagens controlados por jogadores reais, usando óculos escuros, e são os verdadeiros “protagonistas” de Freedom City. O segundo é apenas uma ferramenta que existe em segundo plano todos os dias. A diferença é que os heróis sabem que são heróis nesse jogo, enquanto os NPCs não sabem que são NPCs ou que suas vidas são apenas um jogo. Eles só sabem que não são o Herói de óculos escuros e, assim como a divisão de classes, não têm chance na vida de serem comparados ao Herói. Free guy: O herói Como os verdadeiros e únicos protagonistas do jogo ou da cidade, os heróis têm o poder de saquear. Eles são violentos e imprudentes na cidade. Obviamente, eles apenas liberam o impulso primitivo da imagem violenta, mas os desenvolvedores do jogo o chamam de “herói”, o NPC, aos olhos deles, é apenas uma parte do pano de fundo do mundo, é atualizar a tarefa definida para o objeto de violência, é pisotear o uso do homem-ferramenta sem cérebro. Assim como o mundo humano real, os NPCs estão dormindo em meio a belas ilusões e mentiras, e nunca acordaram. Os NPCs (Personagens que não são jogadores) fazem a mesma coisa todos os dias, e Guy, o funcionário do banco, é um deles – como seu nome sugere. Ele acorda todas as manhãs para cumprimentar um peixinho dourado, toma o mesmo tipo de café todos os dias, encontra os mesmos NPCs todos os dias até que eles sejam sequestrados ou assassinados e, em seguida, acorda na mesma cama novamente, veste as mesmas roupas, diz as mesmas frases e começa o dia com a mesma falta de surpresas. A vida do NPC é um ciclo interminável de não ter que pensar em plausibilidade. Até que ele conhece Molotov – a garota perfeita para quem ele está destinado – uma faísca se acende repentinamente em seu coração e um NPC começa a despertar. Por que eu deveria tentar algo diferente desta vez? No início da manhã do dia seguinte ao encontro com Molotov, Guy foi ao café para tomar o café da manhã, como de costume. O barista já havia feito a escolha habitual de Guy com antecedência, mas ele disse ao barista que queria experimentar o Cappuccino desta vez. Como acontece com todos os dissidentes, o comentário de Guy transforma a atmosfera da cafeteria em uma atmosfera estranha, as pupilas do barista tremem, ele é informado com toda a seriedade de que todos estão tomando o mesmo café todos os dias, os policiais que o conhecem bem querem prendê-lo e até mesmo os tanques que passam do lado de fora da porta estão mirando nele. Ele ainda não entendeu por que quer experimentar um novo café. Mas ele tinha uma sensação real de que, dessa vez, ele simplesmente queria. Sentindo-se renovado Guy percebe que, por não ser um herói com óculos escuros, Molotov não tem tempo para ele e, para se aproximar de Molotov, dessa vez ele quer pedir um par de óculos escuros emprestado. Na cena do assalto ao banco, que ele vivencia uma vez por dia, Guy mata um herói para pegar os óculos escuros emprestados e, no momento em que os coloca, percebe que, aos olhos dos heróis, Liberty City, que não tem surpresas para os NPCs, está cheia de novas oportunidades e que, apenas pegando o dinheiro dos heróis mortos, ele pode realizar o desejo que sempre teve de comprar sapatos novos. Os heróis e os NPCs no mesmo mundo são regidos por regras diferentes, e Guy invade as regras dos heróis como se estivesse em uma dimensão diferente. A vida parece ser fácil para os heróis. O mundo é sombrio, mas eu não quero seguir as regras A primeira coisa que Guy, que se torna um herói no filme Free guy, faz é encontrar Molotov e aprender com ele que, além de pegar os bens de outras pessoas e guardá-los para si, ele também pode roubar lojas, carros e bater nos transeuntes. Esses atos de violência são o poder dos heróis em Freedom City e são a maneira de se desenvolverem e se destacarem ao longo do caminho. Guy começa seu processo de atualização como herói para ajudar Molotov a atingir seus objetivos em Freedom City. Mas, em vez de violência e saques, ele usa sua imortalidade como NPC para estabelecer recordes de velocidade de aprimoramento apenas com cavalheirismo e se tornou um ídolo muito admirado dentro e fora do mundo do jogo. A “cidade livre” tem suas próprias regras do jogo. Em uma sociedade, seguir as regras estabelecidas é, sem dúvida, a maneira mais simples, mais segura e, provavelmente, também a mais eficiente de subir. Mas quando você se envolve com as regras e se perde, há algum momento em que você quer perguntar: por que estou jogando esse jogo? Por que estou jogando este jogo de acordo com o projeto de outra pessoa? Não há outra maneira de jogar? Você se atreve a … Ler mais

A estética da paisagem do gigante em Duna

novembro 7, 2023 Por maria

Duna, de Denis Villeneuve, é um filme que gira em torno do “gigante”. Em seu enorme mapa de imagens, os objetos gigantes são construídos como uma estranha paisagem visual com valores narrativos e ideológicos. Neste artigo, partiremos da apresentação estética da paisagem do mega-objeto, classificaremos sua construção de espetáculo de vídeo com o sublime como sua representação de objeto e citaremos o conceito de ecologia de Timothy Morton para explicar a dinâmica dos mega-objetos em Duna, desde a formação da experiência de visualização de tela de mídia cruzada até a formação de uma estética multifacetada e simbiótica da paisagem. O YouCine é uma plataforma de streaming de vídeo conveniente e diversificada. O YouCine oferece aos usuários uma ampla variedade de filmes e programas de TV, além de uma experiência de visualização personalizada. Quer você seja um cinéfilo ou alguém que queira assistir aos programas de TV mais recentes, o YouCine é uma opção que vale a pena considerar. Construção do espetáculo Duna: a representação estética dos gigantes das dunas Nos filmes de Duna, o sublime geralmente é produzido em torno de um objeto ou ambiente tecnológico gigante. Os edifícios da cidade de Erakos, por exemplo, são imponentes, impenetráveis e cheios de opressão literal, e a exibição panorâmica das megaestruturas cria uma experiência de visualização sublime e, com ela, um olhar de poder autoritário. O material concreto se torna um mapa figurativo desse poder: desde os bunkers da Grande Guerra até as instalações militares da Guerra Fria americana e soviética, ele é permanentemente distorcido em uma relação instrumental com a política e a ideologia e, portanto, carrega uma metáfora de simbolismo hegemônico. Como Erakos é um lugar disputado, as estruturas de concreto construídas pelos colonizadores são naturalmente permeadas pelo desejo de canibalismo e pela ambição de dominação. Podemos entender essa metáfora a partir de uma cena do filme: quando a Eurídice pousa em Erakos em uma máquina voadora, a entidade artificial de concreto armado parece uma cidade imperial, lançando uma enorme sombra no chão, enquanto as dezenas de milhares de Fremen no chão são comprimidas em pequenos pontos, como se fossem formigas frágeis que se aglomeram sob a sombra. Ao mesmo tempo, enquanto a imensidão do espaço visual nos inspira a imaginar a ilimitação do poder tecnológico, o monólito de Duna também carrega o mesmo reflexo simbólico que é comum em filmes de ficção científica: situado dezenas de milhares de anos no futuro, não há nenhum traço de inteligência artificial na arquitetura de Duna e, em vez disso, a textura quase de pedra do edifício cria uma sensação de distanciamento do sentido tecnológico do edifício. Esse design visual reflete a expressão do autor original, Herbert. Na história de Duna, houve uma guerra entre a humanidade e a IA chamada de “Jihad Butleriana”, após a qual a IA foi expulsa da ordem simbólica da sociedade humana, e o sublime, portanto, implica a ambivalência do medo e do fascínio das pessoas pelo poder tecnológico. No projeto arquitetônico do filme da Grande Coisa, a tecnologia, misturada com o medo e a desconfiança, a coisa que não é apresentada e não pode ser apresentada, forma uma espécie de presença ausente. “The Massive Thing”: uma paisagem simbiótica em uma narrativa micro-macro Villeneuve descreve Duna como uma jornada de fuga e envolvimento da subjetividade. À medida que Paul se retira da paisagem úmida e aconchegante de Caladan e mergulha na realidade brutal do deserto de Erakos, a paisagem avassaladora nos sugere que ele está prestes a encontrar uma realidade indestrutível que ultrapassa sua compreensão e domínio. Além do espaço da imagem, há também um momento decisivo que cria um objeto maciço no sentido do meio, de modo que nós, como espectadores, não podemos mais permanecer a uma distância segura, como se nada estivesse errado, mas somos instantaneamente apanhados na teia da imagem. Essa é a cena em que Paul encontra o bicho-da-sandália de frente. Na segunda metade do filme, quando Paul está congelado no lugar porque é tarde demais para se esquivar, finalmente temos um vislumbre do gigante em uma tomada panorâmica, que Frank Herbert descreve como: “Uma curva cinza-prateada se abre no deserto ……. Ela se eleva e se transforma em uma boca enorme e inquiridora. boca. Era um buraco negro redondo, com suas bordas brilhando à luz da lua”. Francis Bacon, em seu Triptych: An Exercise in Figures Based on the Crucifixion of Jesus (Tríptico: Um Exercício de Figuras Baseado na Crucificação de Jesus), retratou um ser desumano cujo rosto e corpo haviam sido obliterados, exceto pela “boca” sibilante, que era visível. Assim, Deleuze propõe o “corpo sem órgãos”, no qual, em sua opinião, o apagamento dos tecidos orgânicos do corpo por meio de linhas é, de fato, a substituição do conceito original claro do corpo por uma “imagem” de vida emergente, e essa intensidade generativa é alcançada precisamente por meio da “boca”. “Essa intensidade generativa é realizada por meio da boca. Assim, em Duna, a boca gigante do verme da areia também parece ser uma saída no estilo “rizoma”, um canal para liberar toda a vitalidade que foi confinada pela organização. Esse é um momento de heterogeneidade dentro do espaço teatral, que abre tudo na imagem para nós, espectadores. Nesse ponto, Paul na tela deixa de ser um protagonista no sentido narrativo e se torna um ponto de vista penetrante. Caspar David Friedrich explica esse senso de simbiose em Monks by the Sea e Wanderers over the Sea of Fog: “Agora somos nós os errantes, os monges, e o mar é a própria pintura: não somos mais convidados a ter empatia com as figuras nas pinturas ou a nos colocar em seus lugares, porque agora somos eles. Não há mais um filtro ou um mediador; não há mais uma distância tranquilizadora entre nós e essa força ilimitada e avassaladora diante de nós.” O teatro e o espaço físico começam a entrar em colapso, o assunto narrativo e a respiração do espectador em frente à cortina se entrelaçam e, em estreita proximidade, percebemos quase … Ler mais

Pedro Coelho: um pouco de beleza, um pouco de crítica

novembro 6, 2023 Por maria

Histórias calorosas e temas bonitos De fato, alguns filmes de animação, tanto para crianças quanto para adultos, valem a pena ser assistidos, como “Paddington Bear”, a história é bem feita, a história é calorosa, há família, amizade e até mesmo um amor nebuloso, o tema é bonito, mas não infantil, e não vai enganar as crianças, e o filme em si foi classificado como mais excelente. Um filme como Pedro Coelho, com seu solo fértil de PI, poderia ter sido um grande sucesso, mas, em minha opinião, o filme não fez bom uso dele. Baixe o Youcine gratuitamente e curta Pedro Coelho e outros filmes e programas de TV com qualidade e som HD. Além disso, você pode assistir a jogos de futebol ao vivo gratuitamente. O melhor de tudo é que o Youcine tem todos os recursos e oferece projeção de tela para uma experiência de visualização superior. No espírito de dizer coisas boas antes das ruins, é importante começar elogiando o filme de Pedro Coelho, e o filme tem alguns pontos positivos. Em primeiro lugar, a trilha sonora, que é muito apropriada, além de acompanhar de perto o enredo, muitas músicas conhecidas, que aparecem com frequência nos principais aplicativos de vídeos curtos, como o início da música “We no speak Americano”, bem como o cover melódico da voz masculina, também agradam ao ouvido do “Rather be”. E, é claro, a música “Feel it still”. Há uma série de raps originais que também são ótimos, com sotaques e falas que não são gritantes, perfeitos para menores e animados, e quanto ao fato de a presença dos raps minar a beleza clássica do ambiente, eu diria que só a perda de cor do coelho de Pedro Coelho já é uma grande perda do classicismo e, além disso, a veste dos quatro pardais é bonita e adorável. A representação realista de Pedro Coelho do personagem do coelho Outra coisa é que os coelhos ganham vida e, embora a magreza tenha sido alcançada com o urso Paddington (a série A Origem do Planeta dos Macacos não é de fato um filme infantil), dessa vez as atuações dos coelhos parecem ser retratadas, o que significa que há uma pessoa real por trás de cada coelho fazendo uma expressão exagerada e tensa, o que ainda é um destaque. Além disso, o protagonista Gleeson como McGregor Jr. é realmente muito agradável aos olhos, com uma personalidade completa e um penteado bonito; quando está paranoico, ele é praticamente uma recriação do General Hux de Guerra nas Estrelas, e quando está com calor, seu cabelo fica solto e ele se transforma no carinhoso Tim de Time Lovers; além disso, com suas sobrancelhas compactas combinadas com seu rosto comprido, ele é cerca de oito minutos parecido com Curly Fu e, sem dúvida, um pouco mais bonito do que o próprio Curly Fu (não Eu também sou um grande fã dos Rolling Stones). Em seguida, vamos falar sobre a caracterização do filme de Pedro Coelho, que considero melhor – a caracterização de Bugs Bunny e Bey. Em primeiro lugar, Beedle Bunny vai um pouco longe demais com suas travessuras. Às vezes, os personagens podem ser bonitinhos com um pouco de pele, mas quando vão longe demais, como Beedle Bunny, é demais e é nojento. Aquela horta era sua, e é sua própria reivindicação não tão razoável querer retirar algo dela – você sabe, somos todos a favor da preservação da natureza, mas até mesmo dos contos de fadas. Pedro Coelho termina com uma nota feliz e amigável Pedro Coelho não é sobre os humanos abandonarem seus lares quando se trata de facilitar as coisas para as criaturas, e os coelhos estão realmente brincando com os heróis das pessoas até a morte, rompendo o vínculo natural entre o herói e a heroína. A heroína também é um coração de algumas pessoas que não gostam: por um lado, a personalidade do coelho, por outro lado, na questão do controle remoto de explosivos, acredita seletivamente, a razão para esse viés na análise final, na verdade, deve estar na Baía subconscientemente não acredita no QI do coelho; e no coelho que sujou suas pinturas, McGregor danificou sua casa, a heroína instantaneamente virou o rosto …… Isso é realmente distorcido em minha mente. Talvez seja porque nasci malvado, então especulo sobre os personagens da peça com olhos estreitos, cheios de malícia e olhos de rato. De fato, o nome deste ensaio era “Bear Bunny under the Umbrella of Our Lady” (Coelho urso sob o guarda-chuva de Nossa Senhora), o que parece um pouco violento agora que penso nisso. E, enquanto digito isso, não consigo deixar de pensar no final do filme, em que toda a família está feliz, e as pessoas e os coelhos convivem de forma amigável e divertida, e tudo é idílico e romântico. O cinema estava cheio de risadas de crianças, e quanto à adequação de Pedro Coelho aos ursos, não há ursos sem pais ursos, e pelo menos o cinema estava cheio de crianças felizes, e isso foi o suficiente. Um final tão feliz e gratificante, as pessoas VIVEM LONGE E PRÓSPERAS, e quem não gostaria disso.